A veces basta un pasillo oscuro, una puerta entreabierta o una voz que surge desde una vieja grabadora para provocar miedo. Session 9, dirigida por Brad Anderson en 2001, es una de esas películas que comprenden perfectamente el poder de la sugestión. La historia sigue a Gordon Fleming ( Peter Mullan), encargado de una pequeña empresa especializada en retirar asbesto de edificios antiguos. Cuando consigue un importante contrato para trabajar en el abandonado Hospital Psiquiátrico Danvers, en Massachusetts, reúne a su equipo para realizar una tarea que podría salvar económicamente a la compañía. Sin embargo, las tensiones entre los trabajadores y la inquietante historia del lugar comienzan a convertir aquella oportunidad en una experiencia cada vez más perturbadora. Uno de los grandes aciertos de la película es precisamente su escenario. El Hospital Estatal de Danvers no fue construido para la ficción: se trata de un antiguo recinto psiquiátrico inaugurado en el siglo XIX y cerrado en 1992. Anderson aprovechó sus instalaciones reales para filmar una buena parte de la película, antes de que el edificio fuera demolido. El resultado es extraordinario. Sus pasillos interminables, habitaciones vacías y rincones deteriorados transmiten una sensación de abandono que difícilmente podría conseguirse en un estudio. Danvers no es solamente el lugar donde ocurre la historia: parece tener vida propia. Mientras avanzan los trabajos, Mike ( Stephen Gevedon) descubre unas antiguas grabaciones de las sesiones psiquiátricas de Mary Hobbes. A través de ellas conocemos a una paciente con distintas personalidades, cuya historia comienza a adquirir una inquietante relación con los acontecimientos del presente. Estas cintas se convierten en uno de los elementos más fascinantes del relato. Sus voces, silencios y cambios de personalidad introducen un misterio que se va mezclando progresivamente con los conflictos del equipo. Aquí el sonido resulta fundamental. Anderson sabe aprovechar las grabaciones, los ruidos ambientales y los silencios para construir una atmósfera opresiva. Muchas veces, lo que escuchamos resulta bastante más perturbador que aquello que vemos. Es una película que entiende que el terror no siempre necesita mostrarse para hacerse presente. En el apartado interpretativo destaca especialmente Peter Mullan, quien construye un Gordon cada vez más frágil e inquietante. Su personaje carga con problemas personales y económicos que comienzan a afectar su comportamiento. A su alrededor, David Caruso, Josh Lucas, Stephen Gevedon y Brendan Sexton III completan un grupo de trabajadores cuyas diferencias y frustraciones van deteriorando la convivencia. Lo interesante es que el peligro no parece venir únicamente del hospital: también está en las personas que lo habitan. Brad Anderson (quien nos daría la fascinante “El Maquinista”, solo tres años después) demuestra un gran dominio de la atmósfera, apoyado por la fotografía de Uta Briesewitz y una puesta en escena que privilegia los espacios, las sombras y la tensión. Su ritmo pausado puede no ser del gusto de todos, pero es precisamente esa paciencia la que permite que la inquietud crezca sin necesidad de recurrir constantemente a los sobresaltos. Y aunque no quiero revelar demasiado sobre su desenlace, sí vale la pena mencionar que Session 9 consigue conectar sus distintas historias de una manera especialmente perturbadora. Las grabaciones de Mary adquieren un nuevo significado y el final deja una sensación difícil de sacudirse. Su última frase, «I live in the weak and the wounded», funciona como una síntesis escalofriante de todo lo que hemos presenciado. Con el paso de los años, Session 9 se ha convertido en una película de culto, especialmente entre quienes disfrutan del terror psicológico y las historias que prefieren sugerir antes que mostrar. Para este Halloween, es una recomendación ideal: una película que transforma un hospital abandonado en un espacio de pesadilla y que nos recuerda que, muchas veces, los rincones más oscuros no están necesariamente fuera de nosotros.
Cada cierto tiempo uno se topa con una película que te recuerda por qué amas el cine de terror. The Changeling , dirigida por Peter Medak en 1980, es una de esas. No necesita monstruos, ni litros de sangre, ni efectos digitales. Solo una casa enorme, un hombre roto por el dolor y una pelota que rebota por una escalera para helarte la sangre. La película vuelve a cobrar especial relevancia tras el fallecimiento de su director, Peter Medak , quien murió el 27 de octubre de 2026, a los 88 años. Una noticia que invita a revisar su trayectoria y, especialmente, a reencontrarse con una de las obras más recordadas de su filmografía. Porque si hay una película que demuestra su capacidad para construir atmósferas inquietantes y contar historias donde el terror convive con la tragedia humana, esa es The Changeling, también conocida como Al Final de la Escalera . La historia sigue a John Russell (un imponente George C. Scott), un compositor que, tras perder a su esposa e hija en un accidente, se muda a una mansión antigua para recomenzar su vida. Pero el pasado -como el dolor- siempre encuentra la forma de volver. Dentro de esa casa hay algo que intenta comunicarse con él, y lo que empieza como un misterio sobrenatural termina siendo una tragedia profundamente humana. Lo que más me impresiona de esta película es cómo el miedo nace del duelo, no del susto. Cada sonido, cada puerta que se abre sola, está cargada de una tristeza silenciosa. Medak no busca asustarte con lo que ves, sino con lo que imaginas. El sonido de esa pelota cayendo por las escaleras es probablemente uno de los momentos más perturbadores del cine de los ochenta, y todo gracias a la puesta en escena y el extraordinario diseño sonoro. Peter Medak fue un director de origen húngaro que escapó de su país durante la revolución de 1956 y terminó desarrollando su carrera entre el cine británico y estadounidense. Antes de The Changeling, ya había demostrado su versatilidad con películas como The Ruling Class (1972), una sátira negra protagonizada por Peter O'Toole. Su filmografía transitaría posteriormente por el drama criminal, el suspenso y la comedia, con títulos como The Krays (1990), Let Him Have It (1991) y Romeo Is Bleeding (1993). También tuvo una extensa trayectoria en televisión, dirigiendo episodios de series como The Wire, Homicide: Life on the Street y Breaking Bad. Y claro, está George C. Scott, un actor imposible de ignorar. Tiene esa mirada de acero que conocimos en Patton o Hardcore , pero aquí la vemos quebrarse poco a poco. Su interpretación le da al personaje una humanidad que rara vez se ve en este tipo de historias. Lo acompaña Trish Van Devere, su esposa en la vida real, aportando una química melancólica que refuerza la sensación de pérdida. Un filme de culto Cuando se estrenó, no fue un éxito masivo, pero con los años se ganó un lugar de culto. La película tuvo un importante reconocimiento en Canadá, donde obtuvo ocho premios Genie, incluyendo Mejor Película. También ha sido reivindicada por grandes nombres del cine, como Martin Scorsese, quien la incluyó entre sus películas de terror favoritas, y Steven Spielberg, otro admirador de su particular forma de construir el suspenso. Actualmente, ha vuelto a ser redescubierta por muchos cinéfilos gracias al formato físico y sus distintas ediciones en Blu-ray, convirtiéndose en una de esas películas que merece ser recuperada y conservada. A 46 años de su estreno, The Changeling sigue siendo una experiencia que te atrapa desde lo emocional. Es una película sobre el dolor, la culpa y la imposibilidad de cerrar heridas. Ideal para quienes buscan algo más que sustos y quieren descubrir una historia de fantasmas donde el verdadero horror se esconde en los recuerdos que no nos dejan ir. Hoy, tras la partida de Peter Medak, volver a esta película también es una forma de reconocer su legado. Un director que transitó por distintos géneros y que nos dejó una de las experiencias más memorables del cine sobrenatural. Porque algunas películas sobreviven al paso del tiempo no solamente por sus imágenes, sino por las sensaciones que siguen provocando décadas después. Y pocas veces una simple pelota cayendo por una escalera ha conseguido dar tanto miedo.
Hay historias que parecen sacadas de una pesadilla, pero que tienen sus raíces en la realidad. Kalkutún, juicio a los brujos, la nueva película escrita y dirigida por Jorge Olguín, se adentra en uno de los episodios más inquietantes de la historia de Chiloé para construir un relato donde las creencias ancestrales, las disputas de poder y el terror sobrenatural conviven en un mismo territorio. Inspirada en los procesos judiciales de fines del siglo XIX contra los llamadosbrujos de Chiloé, la cinta nos traslada a una isla marcada por las supersticiones y la desconfianza hacia la justicia del Estado. La historia comienza con un brutal asesinato a manos de una criatura bestial, a medio camino entre lo humano y lo monstruoso. A esto se suman un libro secreto y una llave que serán determinantes para una trama que, desde sus primeros minutos, deja claro que estamos ante una película que no pretende mantenerse dentro de los límites del drama histórico. La investigación queda en manos de un joven fiscal, encarnado por Juan Carlos Maldonado, quien comienza a indagar en las actividades de los supuestos brujos chilotes, acusados de integrar La Mayoría, una organización secreta vinculada a la brujería. En su recorrido, se encontrará con distintos personajes que le permitirán descubrir un mundo que escapa a su comprensión, mientras sus conversaciones con el intendente de la isla, interpretado por Bastián Bodenhöfer, abren nuevas interrogantes sobre los verdaderos intereses detrás de la persecución. Pero el conflicto también tiene otra cara. Mailén ( Camila Oliva), una joven isleña cuyo abuelo es acusado y condenado, decide adentrarse en el universo secreto de los brujos para intentar salvarlo. De esta manera, la película contrapone la justicia institucional con una cosmovisión ancestral que se transmite a través de los relatos, las creencias y los rituales de la isla. A lo largo de sus casi dos horas y media, Olguín desarrolla la investigación de manera pausada, construyendo un relato de folk horror chilensis en el que nada es exactamente lo que parece y donde resulta difícil distinguir entre víctimas y victimarios. Uno de los aspectos más interesantes de Kalkutún es que los brujos no son presentados necesariamente como inocentes perseguidos por las autoridades. Si bien sufren los abusos de la justicia chilena, son encarcelados y brutalmente golpeados, también son personajes despiadados y vengativos, capaces de ejercer su propia violencia. Al otro lado está el intendente, una representación del poder que adquiere características casi luciferinas. Bodenhöfer compone una figura siniestra, una suerte de Drácula demoníaco cuya maldad parece innata. Su presencia refuerza esa sensación de que, en este universo, las amenazas no provienen únicamente de las fuerzas sobrenaturales, sino también de quienes ocupan posiciones de autoridad. En medio de ambos se encuentra el fiscal, un hombre que intenta hacer cumplir la ley mientras se enfrenta a creencias que no comprende y a una disputa por un terreno que también lo involucra personalmente. Sus decisiones tendrán consecuencias y, a medida que avanza la investigación, su búsqueda de justicia terminará convirtiéndose en un camino hacia su propia condena. La película refleja la fascinación de Jorge Olguín por la mitología chilota, un universo que lleva décadas investigando y que aquí encuentra una nueva oportunidad para desarrollarse en la pantalla grande. Filmada mayormente en Chiloé, la producción aprovecha sus iglesias, sus paisajes y su naturaleza para construir una atmósfera donde la isla se convierte en mucho más que un escenario. Su inmensidad y su identidad parecen acompañar cada paso de los personajes, como si el territorio guardara secretos que sus propios habitantes apenas se atreven a revelar. Hay, además, una anécdota del rodaje que parece sacada de la propia película. Según contó Olguín, las escenas que debieron grabar en Santiago fueron particularmente difíciles, con numerosos problemas, casi como si la propia isla no quisiera que la producción se alejara de ella. Una historia curiosa que, más allá de lo anecdótico, refuerza el lugar central que ocupa Chiloé dentro de la propuesta. La cinta cuenta con un reparto encabezado por Juan Carlos Maldonado, Camila Oliva, Bastián Bodenhöfer, Luis Dubó, Daniel Antivilo, Nicolás Zárate, Paulina Eguiluz, Alejandra Araya y Felipe Ríos, junto a Nicolás Oyarzún, quien se incorporó a esta producción nacional. Un elenco que reúne a intérpretes de distintas generaciones del audiovisual chileno para dar vida a este particular universo. Sin embargo, uno de los aspectos más atractivos de Kalkutún está en la manera en que Olguín combina la inspiración histórica con los códigos del cine fantástico. Pese a la seriedad de los acontecimientos que sirven como punto de partida, el director no renuncia a las criaturas, las muertes violentas, el gore y los efectos especiales de maquillaje práctico. De hecho, el trabajo artesanal detrás de los seres mitológicos es una de las apuestas destacadas de la producción, que privilegia la creación tangible de estas criaturas. En ese sentido, la película remite inevitablemente a los primeros trabajos del director, especialmente a Sangre eterna , donde el terror y la mitología también ocupaban un lugar central. Es en esos momentos cuando Olguín parece moverse con mayor comodidad, desplegando un imaginario que lo ha acompañado durante buena parte de su carrera. Algunas escenas pueden resultar desconcertantes, sobre todo cuando se alejan del tono solemne de la investigación para abrazar de lleno lo fantástico, pero los amantes del género probablemente sabrán apreciar esa mezcla. Otro elemento que contribuye a la identidad de la película es su música original, compuesta por Anton Reisenegger y Sebastián Puente . Reisenegger, fundador de las emblemáticas bandas Pentagram Chile y Criminal , además de integrante de Lock U p, aporta desde su trayectoria ligada al metal una dimensión sonora que acompaña la atmósfera oscura e inquietante de la historia. Quizás el principal problema de Kalkutún sea su duración. Las dos horas y media terminan pesando en ciertos pasajes, con escenas que se prolongan más de lo necesario y afectan el ritmo de una historia que podría beneficiarse de una narración más concentrada. Una versión cinematográfica más acotada podría favorecer su dinamismo, mientras que una adaptación en formato de miniserie permitiría desarrollar con mayor amplitud algunos de sus elementos sin exigirle tanto al espectador en una sola sesión. Con todo, Kalkutún, Juicio a los Brujos es una película que deja en evidencia la pasión de Jorge Olguín por un universo que lleva años investigando. Su apuesta por mezclar historia, mitología chilota y terror fantástico es ambiciosa y no siempre logra sostener el ritmo, pero tiene el mérito de seguir explorando un cine de género propio en un país donde hacerlo continúa siendo un desafío. Una propuesta imperfecta, pero valiente, que encuentra en las leyendas de Chiloé un terreno fértil para demostrar que el terror chileno todavía tiene historias inquietantes que contar. Kalkutún, Juicio a los Brujos ya está en cines.
Tras los exitosos estrenos de Halloween (1978) y Halloween II (1981), a pesar de que el arco argumental de Michael Myers estaba completamente cerrado luego de su desenlace, el público seguía interesado en saber qué podría pasar con el asesino de la máscara blanca. John Carpenter y la productora, Debra Hill, no obstante, no tenían interés en seguir estirando la historia de Myers, en cambio, su idea era crear una antología de horror ambientada en la Noche de Brujas, con historias de fantasmas, brujería, monstruos y otras atrocidades. Así nació Halloween III: Season of the Witch (también conocida como El Imperio de las Brujas), una cinta con un argumento alocado, como completamente original, que comienza con la desaparición de una roca del monumento Stonehenge. Luego, la historia se traslada al pueblo de Santa Mira en California, donde el siniestro Conal Cochrane, el dueño de la compañía de máscaras Silver Shamrock, busca regresar la noche de brujas a su antiguo rol pagano, asesinando a millones de niños con sus máscaras maldecidas. Sólo el Doctor Daniel Challis ( Tom Atkins) y Ellie ( Stacey Nelkin) podrán infiltrarse en las instalaciones para evitar una horrible masacre de niños y niñas a lo largo del país la noche del 31 de octubre. La arriesgada decisión de dejar a un lado a Michael Myers, y cambiar el género slasher por una historia de brujería, robots asesinos, y ciencia ficción, lamentablemente no cayó bien a la audiencia de la época, por lo que “Season of the Witch” fue brutalmente vilipendiada en el momento de su estreno y tuvo un pésimo recibimiento en taquilla. Tal fue el golpe, que el productor ejecutivo, Moustapha Akkad, exigió que en la siguiente secuela revivieran al bueno de Myers sí o sí, por lo que regresaría en Halloween 4: The Return of Michael Myers. Sin embargo, gran parte del odio que recibió Halloween III fue injustificado. Se trata de una más que correcta película ochentera de horror y ciencia ficción, que con los años ha ido volviéndose de culto y generando cada vez más adeptos. Tiene algunas de las mejores y más brutales escenas de la franquicia, especialmente porque en esta entrega las principales víctimas son niños, lo que le da un tono aún más siniestro. La dirección de Tommy Lee Wallace (el mismo a cargo de la IT original), amigo íntimo de Carpenter, es cuidadosa, y se podría decir que estamos ante su mejor película. Por otro lado, la interpretación de Tom Atkins (The Fog, Night of the Creeps) es notable, estableciéndose como actor de culto. Y por último, la película también cuenta con un increíble soundtrack ochentero a cargo del propio Carpenter, que logra incluso igualar sus mejores trabajos. En definitiva, “Halloween III: Season of the Witch” es una secuela notable, mucho mejor de lo que se ha dicho de ella. Es momento de que salga del pozo del desprecio y se convierta en un clásico definitivo de Noche de Brujas.
Una característica que tiene todo amante del subgénero de los zombies, además de prender velas a la obra de George Romero, es la continua búsqueda de películas (o series) que nos entreguen algo más a la estructura básica que debe tener toda producción en la cual los muertos vivientes son el condimento esencial. Y fue en esta búsqueda que alguna vez me encontré conEl Mal, una película independiente de zombies griega escrita y dirigida por un joven Giorgos Nousias en el año 2005. La propuesta no deja de ser la típica: un grupo heterogéneo de atenienses intenta sobrevivir en las peligrosas calles de la capital griega, atestadas de muertos vivientes ávidos de comer carne humana. Agonía, desesperación, terror y un particular humor que de por sí es un ingrediente novedoso. El origen de este mal es supuestamente su liberación por parte de trabajadores en una excavación. Pero eso no importa mucho, no se profundiza en ello. Lo relevante es la lucha de un grupo de sobrevivientes quienes ven truncadas sus cotidianas vidas. Dentro de lo más rescatable y novedoso de esta propuesta, además del humor negro, es el dominio absoluto del gore más obsceno, inverosímil y absurdo que le da ese toque de originalidad dentro de los cánones ya conocidos del género. En una época en donde estamos abismados por grandes producciones de este tipo, el regreso a lo artesanal se agradece, siendo por tanto una propuesta muy limitada en la propuesta visual y actoral, pero cruda y honesta. ESCENA FAVORITA Los protagonistas, exhaustos tras escapar por largas horas de los zombies, deciden esconderse en una taverna. Al llegar a ella, comen y conversan como si el mundo no se estuviera acabando. Hombres discutiendo casi a los gritos sobre fútbol, unos coqueteando, otros simplemente conversando cuestiones triviales. No falta el pan, el tzatziki, las keftedes, las aceitunas, ni un buen vino. Esta escena nos muestra una manifestación arraigada en la cultura griega: a pesar de los problemas, a pesar de las crisis, los griegos no pierden la sana y distendida costumbre de pasarlo bien alrededor de una mesa, degustando su excelente gastronomía. Lástima que tan distendido momento termina en la pelea más cruenta de toda la película. Un aterrizaje forzoso a la realidad.
A veces basta un pasillo oscuro, una puerta entreabierta o una voz que surge desde una vieja grabadora para provocar miedo. Session 9, dirigida por Brad Anderson en 2001, es una de esas películas que comprenden perfectamente el poder de la sugestión. La historia sigue a Gordon Fleming ( Peter Mullan), encargado de una pequeña empresa especializada en retirar asbesto de edificios antiguos. Cuando consigue un importante contrato para trabajar en el abandonado Hospital Psiquiátrico Danvers, en Massachusetts, reúne a su equipo para realizar una tarea que podría salvar económicamente a la compañía. Sin embargo, las tensiones entre los trabajadores y la inquietante historia del lugar comienzan a convertir aquella oportunidad en una experiencia cada vez más perturbadora. Uno de los grandes aciertos de la película es precisamente su escenario. El Hospital Estatal de Danvers no fue construido para la ficción: se trata de un antiguo recinto psiquiátrico inaugurado en el siglo XIX y cerrado en 1992. Anderson aprovechó sus instalaciones reales para filmar una buena parte de la película, antes de que el edificio fuera demolido. El resultado es extraordinario. Sus pasillos interminables, habitaciones vacías y rincones deteriorados transmiten una sensación de abandono que difícilmente podría conseguirse en un estudio. Danvers no es solamente el lugar donde ocurre la historia: parece tener vida propia. Mientras avanzan los trabajos, Mike ( Stephen Gevedon) descubre unas antiguas grabaciones de las sesiones psiquiátricas de Mary Hobbes. A través de ellas conocemos a una paciente con distintas personalidades, cuya historia comienza a adquirir una inquietante relación con los acontecimientos del presente. Estas cintas se convierten en uno de los elementos más fascinantes del relato. Sus voces, silencios y cambios de personalidad introducen un misterio que se va mezclando progresivamente con los conflictos del equipo. Aquí el sonido resulta fundamental. Anderson sabe aprovechar las grabaciones, los ruidos ambientales y los silencios para construir una atmósfera opresiva. Muchas veces, lo que escuchamos resulta bastante más perturbador que aquello que vemos. Es una película que entiende que el terror no siempre necesita mostrarse para hacerse presente. En el apartado interpretativo destaca especialmente Peter Mullan, quien construye un Gordon cada vez más frágil e inquietante. Su personaje carga con problemas personales y económicos que comienzan a afectar su comportamiento. A su alrededor, David Caruso, Josh Lucas, Stephen Gevedon y Brendan Sexton III completan un grupo de trabajadores cuyas diferencias y frustraciones van deteriorando la convivencia. Lo interesante es que el peligro no parece venir únicamente del hospital: también está en las personas que lo habitan. Brad Anderson (quien nos daría la fascinante “El Maquinista”, solo tres años después) demuestra un gran dominio de la atmósfera, apoyado por la fotografía de Uta Briesewitz y una puesta en escena que privilegia los espacios, las sombras y la tensión. Su ritmo pausado puede no ser del gusto de todos, pero es precisamente esa paciencia la que permite que la inquietud crezca sin necesidad de recurrir constantemente a los sobresaltos. Y aunque no quiero revelar demasiado sobre su desenlace, sí vale la pena mencionar que Session 9 consigue conectar sus distintas historias de una manera especialmente perturbadora. Las grabaciones de Mary adquieren un nuevo significado y el final deja una sensación difícil de sacudirse. Su última frase, «I live in the weak and the wounded», funciona como una síntesis escalofriante de todo lo que hemos presenciado. Con el paso de los años, Session 9 se ha convertido en una película de culto, especialmente entre quienes disfrutan del terror psicológico y las historias que prefieren sugerir antes que mostrar. Para este Halloween, es una recomendación ideal: una película que transforma un hospital abandonado en un espacio de pesadilla y que nos recuerda que, muchas veces, los rincones más oscuros no están necesariamente fuera de nosotros.
Cada cierto tiempo uno se topa con una película que te recuerda por qué amas el cine de terror. The Changeling , dirigida por Peter Medak en 1980, es una de esas. No necesita monstruos, ni litros de sangre, ni efectos digitales. Solo una casa enorme, un hombre roto por el dolor y una pelota que rebota por una escalera para helarte la sangre. La película vuelve a cobrar especial relevancia tras el fallecimiento de su director, Peter Medak , quien murió el 27 de octubre de 2026, a los 88 años. Una noticia que invita a revisar su trayectoria y, especialmente, a reencontrarse con una de las obras más recordadas de su filmografía. Porque si hay una película que demuestra su capacidad para construir atmósferas inquietantes y contar historias donde el terror convive con la tragedia humana, esa es The Changeling, también conocida como Al Final de la Escalera . La historia sigue a John Russell (un imponente George C. Scott), un compositor que, tras perder a su esposa e hija en un accidente, se muda a una mansión antigua para recomenzar su vida. Pero el pasado -como el dolor- siempre encuentra la forma de volver. Dentro de esa casa hay algo que intenta comunicarse con él, y lo que empieza como un misterio sobrenatural termina siendo una tragedia profundamente humana. Lo que más me impresiona de esta película es cómo el miedo nace del duelo, no del susto. Cada sonido, cada puerta que se abre sola, está cargada de una tristeza silenciosa. Medak no busca asustarte con lo que ves, sino con lo que imaginas. El sonido de esa pelota cayendo por las escaleras es probablemente uno de los momentos más perturbadores del cine de los ochenta, y todo gracias a la puesta en escena y el extraordinario diseño sonoro. Peter Medak fue un director de origen húngaro que escapó de su país durante la revolución de 1956 y terminó desarrollando su carrera entre el cine británico y estadounidense. Antes de The Changeling, ya había demostrado su versatilidad con películas como The Ruling Class (1972), una sátira negra protagonizada por Peter O'Toole. Su filmografía transitaría posteriormente por el drama criminal, el suspenso y la comedia, con títulos como The Krays (1990), Let Him Have It (1991) y Romeo Is Bleeding (1993). También tuvo una extensa trayectoria en televisión, dirigiendo episodios de series como The Wire, Homicide: Life on the Street y Breaking Bad. Y claro, está George C. Scott, un actor imposible de ignorar. Tiene esa mirada de acero que conocimos en Patton o Hardcore , pero aquí la vemos quebrarse poco a poco. Su interpretación le da al personaje una humanidad que rara vez se ve en este tipo de historias. Lo acompaña Trish Van Devere, su esposa en la vida real, aportando una química melancólica que refuerza la sensación de pérdida. Un filme de culto Cuando se estrenó, no fue un éxito masivo, pero con los años se ganó un lugar de culto. La película tuvo un importante reconocimiento en Canadá, donde obtuvo ocho premios Genie, incluyendo Mejor Película. También ha sido reivindicada por grandes nombres del cine, como Martin Scorsese, quien la incluyó entre sus películas de terror favoritas, y Steven Spielberg, otro admirador de su particular forma de construir el suspenso. Actualmente, ha vuelto a ser redescubierta por muchos cinéfilos gracias al formato físico y sus distintas ediciones en Blu-ray, convirtiéndose en una de esas películas que merece ser recuperada y conservada. A 46 años de su estreno, The Changeling sigue siendo una experiencia que te atrapa desde lo emocional. Es una película sobre el dolor, la culpa y la imposibilidad de cerrar heridas. Ideal para quienes buscan algo más que sustos y quieren descubrir una historia de fantasmas donde el verdadero horror se esconde en los recuerdos que no nos dejan ir. Hoy, tras la partida de Peter Medak, volver a esta película también es una forma de reconocer su legado. Un director que transitó por distintos géneros y que nos dejó una de las experiencias más memorables del cine sobrenatural. Porque algunas películas sobreviven al paso del tiempo no solamente por sus imágenes, sino por las sensaciones que siguen provocando décadas después. Y pocas veces una simple pelota cayendo por una escalera ha conseguido dar tanto miedo.
Hay historias que parecen sacadas de una pesadilla, pero que tienen sus raíces en la realidad. Kalkutún, juicio a los brujos, la nueva película escrita y dirigida por Jorge Olguín, se adentra en uno de los episodios más inquietantes de la historia de Chiloé para construir un relato donde las creencias ancestrales, las disputas de poder y el terror sobrenatural conviven en un mismo territorio. Inspirada en los procesos judiciales de fines del siglo XIX contra los llamadosbrujos de Chiloé, la cinta nos traslada a una isla marcada por las supersticiones y la desconfianza hacia la justicia del Estado. La historia comienza con un brutal asesinato a manos de una criatura bestial, a medio camino entre lo humano y lo monstruoso. A esto se suman un libro secreto y una llave que serán determinantes para una trama que, desde sus primeros minutos, deja claro que estamos ante una película que no pretende mantenerse dentro de los límites del drama histórico. La investigación queda en manos de un joven fiscal, encarnado por Juan Carlos Maldonado, quien comienza a indagar en las actividades de los supuestos brujos chilotes, acusados de integrar La Mayoría, una organización secreta vinculada a la brujería. En su recorrido, se encontrará con distintos personajes que le permitirán descubrir un mundo que escapa a su comprensión, mientras sus conversaciones con el intendente de la isla, interpretado por Bastián Bodenhöfer, abren nuevas interrogantes sobre los verdaderos intereses detrás de la persecución. Pero el conflicto también tiene otra cara. Mailén ( Camila Oliva), una joven isleña cuyo abuelo es acusado y condenado, decide adentrarse en el universo secreto de los brujos para intentar salvarlo. De esta manera, la película contrapone la justicia institucional con una cosmovisión ancestral que se transmite a través de los relatos, las creencias y los rituales de la isla. A lo largo de sus casi dos horas y media, Olguín desarrolla la investigación de manera pausada, construyendo un relato de folk horror chilensis en el que nada es exactamente lo que parece y donde resulta difícil distinguir entre víctimas y victimarios. Uno de los aspectos más interesantes de Kalkutún es que los brujos no son presentados necesariamente como inocentes perseguidos por las autoridades. Si bien sufren los abusos de la justicia chilena, son encarcelados y brutalmente golpeados, también son personajes despiadados y vengativos, capaces de ejercer su propia violencia. Al otro lado está el intendente, una representación del poder que adquiere características casi luciferinas. Bodenhöfer compone una figura siniestra, una suerte de Drácula demoníaco cuya maldad parece innata. Su presencia refuerza esa sensación de que, en este universo, las amenazas no provienen únicamente de las fuerzas sobrenaturales, sino también de quienes ocupan posiciones de autoridad. En medio de ambos se encuentra el fiscal, un hombre que intenta hacer cumplir la ley mientras se enfrenta a creencias que no comprende y a una disputa por un terreno que también lo involucra personalmente. Sus decisiones tendrán consecuencias y, a medida que avanza la investigación, su búsqueda de justicia terminará convirtiéndose en un camino hacia su propia condena. La película refleja la fascinación de Jorge Olguín por la mitología chilota, un universo que lleva décadas investigando y que aquí encuentra una nueva oportunidad para desarrollarse en la pantalla grande. Filmada mayormente en Chiloé, la producción aprovecha sus iglesias, sus paisajes y su naturaleza para construir una atmósfera donde la isla se convierte en mucho más que un escenario. Su inmensidad y su identidad parecen acompañar cada paso de los personajes, como si el territorio guardara secretos que sus propios habitantes apenas se atreven a revelar. Hay, además, una anécdota del rodaje que parece sacada de la propia película. Según contó Olguín, las escenas que debieron grabar en Santiago fueron particularmente difíciles, con numerosos problemas, casi como si la propia isla no quisiera que la producción se alejara de ella. Una historia curiosa que, más allá de lo anecdótico, refuerza el lugar central que ocupa Chiloé dentro de la propuesta. La cinta cuenta con un reparto encabezado por Juan Carlos Maldonado, Camila Oliva, Bastián Bodenhöfer, Luis Dubó, Daniel Antivilo, Nicolás Zárate, Paulina Eguiluz, Alejandra Araya y Felipe Ríos, junto a Nicolás Oyarzún, quien se incorporó a esta producción nacional. Un elenco que reúne a intérpretes de distintas generaciones del audiovisual chileno para dar vida a este particular universo. Sin embargo, uno de los aspectos más atractivos de Kalkutún está en la manera en que Olguín combina la inspiración histórica con los códigos del cine fantástico. Pese a la seriedad de los acontecimientos que sirven como punto de partida, el director no renuncia a las criaturas, las muertes violentas, el gore y los efectos especiales de maquillaje práctico. De hecho, el trabajo artesanal detrás de los seres mitológicos es una de las apuestas destacadas de la producción, que privilegia la creación tangible de estas criaturas. En ese sentido, la película remite inevitablemente a los primeros trabajos del director, especialmente a Sangre eterna , donde el terror y la mitología también ocupaban un lugar central. Es en esos momentos cuando Olguín parece moverse con mayor comodidad, desplegando un imaginario que lo ha acompañado durante buena parte de su carrera. Algunas escenas pueden resultar desconcertantes, sobre todo cuando se alejan del tono solemne de la investigación para abrazar de lleno lo fantástico, pero los amantes del género probablemente sabrán apreciar esa mezcla. Otro elemento que contribuye a la identidad de la película es su música original, compuesta por Anton Reisenegger y Sebastián Puente . Reisenegger, fundador de las emblemáticas bandas Pentagram Chile y Criminal , además de integrante de Lock U p, aporta desde su trayectoria ligada al metal una dimensión sonora que acompaña la atmósfera oscura e inquietante de la historia. Quizás el principal problema de Kalkutún sea su duración. Las dos horas y media terminan pesando en ciertos pasajes, con escenas que se prolongan más de lo necesario y afectan el ritmo de una historia que podría beneficiarse de una narración más concentrada. Una versión cinematográfica más acotada podría favorecer su dinamismo, mientras que una adaptación en formato de miniserie permitiría desarrollar con mayor amplitud algunos de sus elementos sin exigirle tanto al espectador en una sola sesión. Con todo, Kalkutún, Juicio a los Brujos es una película que deja en evidencia la pasión de Jorge Olguín por un universo que lleva años investigando. Su apuesta por mezclar historia, mitología chilota y terror fantástico es ambiciosa y no siempre logra sostener el ritmo, pero tiene el mérito de seguir explorando un cine de género propio en un país donde hacerlo continúa siendo un desafío. Una propuesta imperfecta, pero valiente, que encuentra en las leyendas de Chiloé un terreno fértil para demostrar que el terror chileno todavía tiene historias inquietantes que contar. Kalkutún, Juicio a los Brujos ya está en cines.
Tras los exitosos estrenos de Halloween (1978) y Halloween II (1981), a pesar de que el arco argumental de Michael Myers estaba completamente cerrado luego de su desenlace, el público seguía interesado en saber qué podría pasar con el asesino de la máscara blanca. John Carpenter y la productora, Debra Hill, no obstante, no tenían interés en seguir estirando la historia de Myers, en cambio, su idea era crear una antología de horror ambientada en la Noche de Brujas, con historias de fantasmas, brujería, monstruos y otras atrocidades. Así nació Halloween III: Season of the Witch (también conocida como El Imperio de las Brujas), una cinta con un argumento alocado, como completamente original, que comienza con la desaparición de una roca del monumento Stonehenge. Luego, la historia se traslada al pueblo de Santa Mira en California, donde el siniestro Conal Cochrane, el dueño de la compañía de máscaras Silver Shamrock, busca regresar la noche de brujas a su antiguo rol pagano, asesinando a millones de niños con sus máscaras maldecidas. Sólo el Doctor Daniel Challis ( Tom Atkins) y Ellie ( Stacey Nelkin) podrán infiltrarse en las instalaciones para evitar una horrible masacre de niños y niñas a lo largo del país la noche del 31 de octubre. La arriesgada decisión de dejar a un lado a Michael Myers, y cambiar el género slasher por una historia de brujería, robots asesinos, y ciencia ficción, lamentablemente no cayó bien a la audiencia de la época, por lo que “Season of the Witch” fue brutalmente vilipendiada en el momento de su estreno y tuvo un pésimo recibimiento en taquilla. Tal fue el golpe, que el productor ejecutivo, Moustapha Akkad, exigió que en la siguiente secuela revivieran al bueno de Myers sí o sí, por lo que regresaría en Halloween 4: The Return of Michael Myers. Sin embargo, gran parte del odio que recibió Halloween III fue injustificado. Se trata de una más que correcta película ochentera de horror y ciencia ficción, que con los años ha ido volviéndose de culto y generando cada vez más adeptos. Tiene algunas de las mejores y más brutales escenas de la franquicia, especialmente porque en esta entrega las principales víctimas son niños, lo que le da un tono aún más siniestro. La dirección de Tommy Lee Wallace (el mismo a cargo de la IT original), amigo íntimo de Carpenter, es cuidadosa, y se podría decir que estamos ante su mejor película. Por otro lado, la interpretación de Tom Atkins (The Fog, Night of the Creeps) es notable, estableciéndose como actor de culto. Y por último, la película también cuenta con un increíble soundtrack ochentero a cargo del propio Carpenter, que logra incluso igualar sus mejores trabajos. En definitiva, “Halloween III: Season of the Witch” es una secuela notable, mucho mejor de lo que se ha dicho de ella. Es momento de que salga del pozo del desprecio y se convierta en un clásico definitivo de Noche de Brujas.
Una característica que tiene todo amante del subgénero de los zombies, además de prender velas a la obra de George Romero, es la continua búsqueda de películas (o series) que nos entreguen algo más a la estructura básica que debe tener toda producción en la cual los muertos vivientes son el condimento esencial. Y fue en esta búsqueda que alguna vez me encontré conEl Mal, una película independiente de zombies griega escrita y dirigida por un joven Giorgos Nousias en el año 2005. La propuesta no deja de ser la típica: un grupo heterogéneo de atenienses intenta sobrevivir en las peligrosas calles de la capital griega, atestadas de muertos vivientes ávidos de comer carne humana. Agonía, desesperación, terror y un particular humor que de por sí es un ingrediente novedoso. El origen de este mal es supuestamente su liberación por parte de trabajadores en una excavación. Pero eso no importa mucho, no se profundiza en ello. Lo relevante es la lucha de un grupo de sobrevivientes quienes ven truncadas sus cotidianas vidas. Dentro de lo más rescatable y novedoso de esta propuesta, además del humor negro, es el dominio absoluto del gore más obsceno, inverosímil y absurdo que le da ese toque de originalidad dentro de los cánones ya conocidos del género. En una época en donde estamos abismados por grandes producciones de este tipo, el regreso a lo artesanal se agradece, siendo por tanto una propuesta muy limitada en la propuesta visual y actoral, pero cruda y honesta. ESCENA FAVORITA Los protagonistas, exhaustos tras escapar por largas horas de los zombies, deciden esconderse en una taverna. Al llegar a ella, comen y conversan como si el mundo no se estuviera acabando. Hombres discutiendo casi a los gritos sobre fútbol, unos coqueteando, otros simplemente conversando cuestiones triviales. No falta el pan, el tzatziki, las keftedes, las aceitunas, ni un buen vino. Esta escena nos muestra una manifestación arraigada en la cultura griega: a pesar de los problemas, a pesar de las crisis, los griegos no pierden la sana y distendida costumbre de pasarlo bien alrededor de una mesa, degustando su excelente gastronomía. Lástima que tan distendido momento termina en la pelea más cruenta de toda la película. Un aterrizaje forzoso a la realidad.
