Debo reconocer que, durante sus primeros minutos, Cómo robar un banco (How to rob a bank) me costó un poco. Al comienzo, sus protagonistas me resultaron bastante superficiales e incluso molestos. Se trata de una banda de asaltantes que roba bancos y transmite sus golpes a través de internet, convirtiendo cada atraco en un espectáculo para conseguir seguidores y popularidad. Mi primera impresión fue que estábamos frente a un grupo de delincuentes más preocupados de conseguir likes que de cualquier otra cosa. Sin embargo, la película va revelando sus cartas a medida que avanza y, cerca de la mitad, comenzamos a comprender que detrás de esta aparente frivolidad existen motivaciones mucho más profundas. No estamos simplemente frente a un grupo de jóvenes que decidió convertirse en una sensación viral, sino ante personajes rotos, golpeados por circunstancias personales y por un sistema que, de distintas maneras, les ha dado la espalda. En el centro de esta historia encontramos a Ryan ( Nicholas Hoult ), conocido como El Lobo , líder de la banda, y Emi ( Anna Sawai ), su pareja y compañera de aventuras. Ambos arrastran una pérdida familiar que terminó marcando sus vidas y que está directamente relacionada con los abusos del sistema financiero y los costos de la atención médica. Por otro lado está Vince ( Pete Davidson ), un veterano de Afganistán que intenta encontrar una salida a su propia precariedad, mientras que Hugo ( Rhenzy Feliz ), el integrante encargado de la tecnología y las redes sociales, vive junto a su familia en un barrio residencial de escasos recursos. En la vereda contraria tenemos al agente del FBI John West ( John C. Reilly), encargado de seguirle la pista a esta particular organización criminal. Para conseguirlo, termina recurriendo a Reagan Gardner ( Zoë Kravitz), una brillante hacker que se encuentra bajo arresto domiciliario después de desarrollar una aplicación capaz de rastrear personas a través de internet. La relación entre ambos aporta otra dinámica a la película, especialmente por el contraste entre un investigador de la vieja escuela y una especialista que entiende perfectamente cómo funciona el mundo digital. También tenemos una breve participación de Christian Slater, quien interpreta a David Walton, uno de los grandes nombres del mundo financiero. Su presencia es acotada, pero siempre se agradece encontrar a Slater en pantalla. Y su participación tampoco parece casual, porque por momentos la película me recordó bastante a Mr. Robot, especialmente por su mirada sobre las grandes corporaciones, la tecnología y las estructuras de poder que operan detrás de nuestra vida cotidiana. En términos cinematográficos, Cómo robar un banco funciona como una especie de encuentro entre Fuego contra Fuego (Heat) y el universo de Watch Dogs 2 . Por un lado, tenemos una película de atracos con persecuciones, operaciones policiales y enfrentamientos que remiten al cine criminal clásico de Michael Mann. Por otro, una estética digital, urbana y bastante juvenil, con personajes que parecen sacados directamente del videojuego de Ubisoft. De hecho, su secuencia inicial podría funcionar perfectamente como una introducción de Watch Dogs 2. David Leitch aprovecha esa combinación para construir un espectáculo cargado de acción, humor y adrenalina, pero también deja espacio para desarrollar el drama de sus protagonistas. Y creo que es precisamente ahí donde la película comienza a funcionar mejor: cuando dejamos de mirar a estos personajes como simples delincuentes que buscan atención y entendemos las razones que los llevaron hasta ese punto. Porque, más allá de los robos y las transmisiones en vivo, uno de los temas centrales de la película es el abuso de las instituciones financieras y de las grandes corporaciones sobre las personas con menos recursos. La cinta pone sobre la mesa un modelo económico que parece diseñado para mantener a determinados sectores atrapados en deudas prácticamente impagables, convirtiendo necesidades básicas como acceder a una vivienda o recibir atención médica en compromisos financieros que pueden perseguir a una persona durante toda su vida. En ese sentido, la supuesta bandera revolucionaria que levanta esta banda tiene una lectura bastante particular. Sus integrantes parecen representar una especie de Robin Hood de la era digital, pero sus motivaciones no son necesariamente ideológicas. Son personas que han sufrido pérdidas, frustraciones y situaciones límite, y que encontraron en esta forma de delincuencia una manera de responder a un sistema que consideran profundamente injusto. La película juega precisamente con esa contradicción: detrás de una causa que parece colectiva, existen heridas profundamente personales. En el apartado técnico, también hay varios elementos que vale la pena destacar. La fotografía de Jonathan Sela funciona especialmente bien en exteriores, aprovechando los espacios urbanos y entregándole identidad a una película que necesita sentirse conectada con su entorno. La banda sonora, por su parte, es bastante ruidosa y dinámica, alternando rock, electrónica y ritmos que parecen sacados de algún video de YouTube. Es una elección que acompaña muy bien el espíritu de la propuesta, aunque también refuerza esa sensación de estar viendo un espectáculo diseñado para el consumo digital. Creo que Cómo robar un banco es una película que va de menos a más. Su principal dificultad está en conseguir que el espectador conecte inicialmente con sus protagonistas, pero una vez que conocemos sus historias, la experiencia cambia considerablemente. No estamos ante una nueva Fuego contra Fuego, ni tampoco frente a una película que venga a reinventar el género, pero sí ante una propuesta entretenida, visualmente desatada y con algunas ideas interesantes sobre el mundo en que vivimos. Y ojo, porque la historia parece tener todavía bastante que contar. El desenlace deja abierta la posibilidad de continuar esta aventura, así que no sería extraño que volvamos a encontrarnos con estos personajes en el futuro. Cómo robar un banco ya está en cines chilenos.
Ebenezer Scrooge vuelve a ser reimaginado en el cine, esta vez de la mano del director Ti West (Pearl, MaXXXine), quien le imprime una atmósfera bastante oscura, aunque con pequeños toques de humor y un aire que rememora las antiguas películas de terror victoriano de la Casa Hammer, incluso en sus créditos. Otro punto interesante es la presencia de Johnny Depp, quien regresa a las grandes producciones de Hollywood luego de años relegado -tras su escándalo con Amber Heard- a películas independientes, tanto en Estados Unidos como, principalmente, en Europa. Pero Depp no pierde su encanto y nos entrega un Scrooge siniestro, cínico, patético, pero también vulnerable. Eso sí, parece no alejarse demasiado del molde de Jack Sparrow. Sería bueno volver a verlo en cintas que le den la oportunidad de construir grandes personajes menos caricaturizados. La historia, basada en la obra de Charles Dickens, Cuento de Navidad, sigue, como ya es sabido, al malhumorado y mezquino Ebenezer Scrooge, un hombre solitario, dedicado a sus negocios y a amasar dinero sin compartirlo, que además odia la Navidad. Sin embargo, todo cambia cuando, durante la Nochebuena, recibe la visita de tres espíritus navideños: pasado, presente y futuro, quienes lo llevarán en un viaje fantasmal nocturno que lo enfrentará a sus dolores, a sus pérdidas y también a sus malas acciones, permitiéndole valorar a quienes lo rodean y a cambiar su vida por completo. Ebenezer es una cinta entretenida, aunque al comienzo le cuesta encontrar el ritmo. También cuenta con un gran elenco compuesto, además de Depp, por Rupert Grint, Sam Claflin, Daisy Ridley y Sir Ian McKellen, quien interpreta al socio de Scrooge. En cines desde el 12 de noviembre.
Yo soy Rocky es mucho más que el relato de cómo se hizo una de las películas más icónicas de Hollywood. Es una historia de esfuerzo, perseverancia y resiliencia, protagonizada por alguien que nunca dejó de creer en su talento y en sus sueños, incluso cuando todo parecía estar en su contra. Además, esta cinta dirigida por Peter Farrelly nos invita a ser testigos de una parte de la historia del cine. Anthony Ippolito es, en gran parte, el responsable de que esta producción sea lo que es: una gran película. Pone sus atributos físicos y actorales al servicio de la recreación de un joven Sylvester Stallone , uno que no tenía casa, cuyo padre -interpretado por un irreconocible Matt Dillon - no creía en él, que debía desempeñar distintos trabajos para sobrevivir y a quien solo lo movían las ganas de convertirse en actor y la creatividad que lo llevaba a escribir guiones a mano. El impulso y el apoyo incondicional de quien primero fuera su novia y luego su primera esposa, Sasha ( AnnaSophia Robb), también fueron fundamentales en su camino al éxito. En Yo soy Rocky conocemos la casi increíble historia de un joven que, con todo en contra, logró cumplir sus anhelos de la forma que él quiso, protagonizando su propia película, aquella que escribió en apenas unos días y que todos alababan, pero en la que nadie quería ni creía que él pudiera asumir el papel principal. Todo esto mientras enfrentaba un rodaje extremadamente demandante, tanto física como emocionalmente, con un presupuesto acotado y un ejecutivo del estudio -interpretado genialmente por Tracy Letts - respirándole en la nuca, atento a cualquier oportunidad para sacar a Stallone del protagónico. Una gran cinta basada en hechos reales. Dramática, entretenida e inspiradora en tiempos en que el esfuerzo parece estar subvalorado. Tiene un excelente ritmo, grandes actuaciones y una ambientación que logra transportarnos a los años setenta y a una forma de hacer cine de forma más genuina. Se podría decir mucho más sobre esta película, pero es mejor vivir la experiencia de presenciar cine de calidad, de ese que te deja algo una vez que las luces se encienden. Yo soy Rocky llega a los cines este 12 de noviembre. Y no se olviden de esperar hasta el último momento antes de abandonar la sala.
El cine pierde a uno de esos actores cuya presencia difícilmente pasa inadvertida. Stacy Keach falleció este martes 10 de noviembre, a los 85 años en su residencia de Magdalenka, Polonia, tras una prolongada enfermedad cardíaca, según informó su esposa, Małgosia Keach. D ejando atrás una trayectoria de más de seis décadas en la que supo transitar por distintos géneros y formatos, convirtiéndose en uno de los intérpretes más reconocibles de su generación. Nacido el 2 de junio de 1941 en Savannah, Georgia, Walter Stacy Keach Jr. comenzó su carrera en el teatro, donde desarrolló una sólida formación interpretativa. Estudió en la Universidad de California en Berkeley y posteriormente en la prestigiosa Yale School of Drama. Su trabajo sobre las tablas le permitió obtener reconocimiento como intérprete shakespeariano y una nominación al premio Tony por su participación en la obra Indians, de Arthur Kopit. Sin embargo, sería el cine el que terminaría convirtiéndolo en un rostro inolvidable para varias generaciones de espectadores. Fat City: el retrato de un perdedor inolvidable Si hay una película que permite comprender la dimensión interpretativa de Keach, esa es Fat City (1972), de John Huston. Una de las grandes películas de su filmografía y, sin duda, una de las interpretaciones más conmovedoras de su carrera. En esta adaptación de la novela de Leonard Gardner, el histrión interpreta a Tully, un boxeador venido a menos que intenta encontrar una nueva oportunidad en un mundo que parece haberlo dejado atrás. Es un hombre marcado por sus frustraciones, el alcohol, la soledad y la sensación de que sus mejores días quedaron en el pasado. Junto a un joven Jeff Bridges, quien interpreta al prometedor boxeador Ernie Munger, Keach protagoniza una historia que se aleja de los relatos deportivos convencionales para observar a sus personajes desde sus derrotas, contradicciones y pequeñas esperanzas. Huston construye un retrato profundamente humano de personajes que intentan encontrar su lugar en el mundo, incluso cuando las circunstancias parecen jugar permanentemente en su contra. Y Keach ofrece una interpretación extraordinaria, cargada de melancolía, que encuentra en los silencios y los gestos buena parte de su fuerza. Fat City es una película que permanece en la memoria mucho después de verla. Y buena parte de ello se debe a Tully, un personaje al que Keach entregó una humanidad difícil de olvidar. Del cine de autor al thriller y el terror Durante los años setenta y ochenta, Keach demostró una versatilidad que le permitió participar en producciones muy diferentes entre sí. En The Ninth Configuration (1980), la particular película escrita y dirigida por William Peter Blatty, interpretó al capitán Billy Cutshaw, un astronauta internado en una institución psiquiátrica militar. Una película inclasificable, que combina humor negro, drama psicológico, cuestionamientos religiosos y reflexiones sobre la naturaleza humana. Su trabajo resulta fundamental para el particular universo que construye Blatty. Ese mismo período también lo encontró participando en The Long Riders (1980), el western de Walter Hill en el que compartió pantalla con su hermano James Keach. Ambos interpretaron a los hermanos Frank y Jesse James, respectivamente, en una película que reunió a otros pares de hermanos actores para dar vida a los integrantes de la banda de forajidos. Un año después llegaría otra de sus participaciones más recordadas: Roadgames (1981), el thriller australiano dirigido por Richard Franklin. Allí interpretó a Pat Quid, un camionero que comienza a sospechar que un asesino serial está recorriendo las carreteras australianas. Acompañado por Jamie Lee Curtis, Keach sostiene una entretenida historia de suspenso que juega con las convenciones del thriller y que con el tiempo se transformó en una película de culto. Su relación con el cine de género también tuvo un capítulo especial junto a John Carpenter. En Body Bags (1993), la antología de terror televisiva dirigida por Carpenter y Tobe Hooper, protagonizó el segmento Hair, interpretando a un hombre desesperado por recuperar su cabello que termina enfrentándose a una situación mucho más perturbadora de lo que imaginaba. Una participación que le permitió explorar el humor negro y el terror corporal. La colaboración con Carpenter también se extendió a Escape from L.A. (1996), donde interpretó al comandante Malloy. Mickey Spillane, Mike Hammer y una carrera que nunca se detuvo Para el público televisivo, Stacy Keach quedó especialmente asociado a un personaje: Mike Hammer, el detective privado creado por el escritor Mickey Spillane. A partir de 1984 protagonizó Mickey Spillane's Mike Hammer, serie en la que encarnó al investigador de métodos duros, carácter desafiante y particular sentido de la justicia. Su interpretación le valió una nominación al Globo de Oro y terminó convirtiéndose en una de las representaciones más reconocidas del personaje. Keach consiguió capturar la esencia del detective de novela negra, con una presencia que parecía hecha a la medida para ese universo de callejones, criminales y mujeres misteriosas. Volvería a interpretarlo en distintas producciones televisivas durante los años siguientes. Pero su trayectoria estaba lejos de limitarse a ese personaje. En 1988 interpretó al escritor Ernest Hemingway en la miniserie televisiva Hemingway, actuación que le permitió ganar un Globo de Oro y obtener una nominación al Emmy. Con el paso de los años también participó en producciones como Prison Break, donde interpretó al alcaide Henry Pope, American History X (1998), Nebraska (2013), Sin City: A Dame to Kill For (2014) y The Bourne Legacy (2012), demostrando que seguía siendo un intérprete solicitado y capaz de adaptarse a distintas generaciones cinematográficas. Su último trabajo cinematográfico fue Jay Kelly (2025), la película de Noah Baumbach protagonizada por George Clooney y Adam Sandler. El legado de un intérprete irrepetible Hay actores que construyen su carrera a partir de grandes protagonistas y otros que consiguen que cada personaje, independiente de su importancia dentro de una película, tenga una identidad propia. Stacy Keach pertenecía a esa segunda categoría, aunque también tuvo la oportunidad de encabezar algunas de las producciones más importantes de su trayectoria. Su rostro, su voz profunda y su particular manera de interpretar personajes complejos le permitieron dejar huella en el cine estadounidense. Podía ser un boxeador derrotado, un detective privado, un astronauta atormentado o un camionero enfrentado a un asesino. En todos ellos había algo reconocible: una humanidad imperfecta que hacía que sus personajes se sintieran reales. Con su partida se va un actor de enorme trayectoria, pero quedan sus películas. Y para quienes encontramos en Fat City una de esas obras cinematográficas que nos acompañan durante toda la vida, también queda el recuerdo de una interpretación extraordinaria.
Hasta el fin del mundo es una película que combina drama y romance, coproducida por España y México, protagonizada por Aislinn Derbez y Mauricio Ochmann. Sin duda, uno de los mayores atractivos de esta producción es que sus protagonistas fueron pareja en la vida real, lo que ha generado una serie de rumores en torno a su relación a raíz de este trabajo en conjunto. La cinta, que llegó hace pocas semanas a la plataforma Disney+, nos presenta a Manuel y Esmeralda, dos mexicanos que se conocen por casualidad en un tren, durante la España franquista. El viaje termina en un accidente ferroviario del que ambos logran sobrevivir, siendo trasladados a una suerte de sanatorio católico. Allí, para poder reencontrarse, deben mentir y hacerse pasar por hermanos. Manuel es un soñador y aspirante a escritor, mientras que Esmeralda es alegre, un alma libre. Ambos comparten un tiempo breve, pero intenso, hasta que sus caminos se separan cuando descubren que el accidente ferroviario es un asunto del que el Gobierno no quiere hablar. Así, ella termina convertida en presa política, mientras él es presionado para dejar de buscarla y regresar a México. Quince años después, la hermana de Esmeralda ubica a Manuel, justo cuando este se encuentra a pocas semanas de casarse, para contarle que Esmeralda está desahuciada y que sería bueno que volviera a verla. Una historia que transita entre un pasado y un presente marcados por el fatalismo, pero también por el amor y la ilusión, aunque parezca contradictorio. Sus personajes son carismáticos, aunque quizás necesitaban un mayor desarrollo. La narración entrelaza correctamente ambas épocas y, si bien la premisa resulta bastante interesante, faltó explorar con mayor profundidad ciertos aspectos dramáticos, especialmente considerando las temáticas que aborda, más allá del romance. Esta ópera prima de Emiliano Castro Vizcarra pudo dar mucho más, pero que finalmente cumple con quienes disfrutan de las historias sobre amores que parecen destinados a no ser.
Debo reconocer que, durante sus primeros minutos, Cómo robar un banco (How to rob a bank) me costó un poco. Al comienzo, sus protagonistas me resultaron bastante superficiales e incluso molestos. Se trata de una banda de asaltantes que roba bancos y transmite sus golpes a través de internet, convirtiendo cada atraco en un espectáculo para conseguir seguidores y popularidad. Mi primera impresión fue que estábamos frente a un grupo de delincuentes más preocupados de conseguir likes que de cualquier otra cosa. Sin embargo, la película va revelando sus cartas a medida que avanza y, cerca de la mitad, comenzamos a comprender que detrás de esta aparente frivolidad existen motivaciones mucho más profundas. No estamos simplemente frente a un grupo de jóvenes que decidió convertirse en una sensación viral, sino ante personajes rotos, golpeados por circunstancias personales y por un sistema que, de distintas maneras, les ha dado la espalda. En el centro de esta historia encontramos a Ryan ( Nicholas Hoult ), conocido como El Lobo , líder de la banda, y Emi ( Anna Sawai ), su pareja y compañera de aventuras. Ambos arrastran una pérdida familiar que terminó marcando sus vidas y que está directamente relacionada con los abusos del sistema financiero y los costos de la atención médica. Por otro lado está Vince ( Pete Davidson ), un veterano de Afganistán que intenta encontrar una salida a su propia precariedad, mientras que Hugo ( Rhenzy Feliz ), el integrante encargado de la tecnología y las redes sociales, vive junto a su familia en un barrio residencial de escasos recursos. En la vereda contraria tenemos al agente del FBI John West ( John C. Reilly), encargado de seguirle la pista a esta particular organización criminal. Para conseguirlo, termina recurriendo a Reagan Gardner ( Zoë Kravitz), una brillante hacker que se encuentra bajo arresto domiciliario después de desarrollar una aplicación capaz de rastrear personas a través de internet. La relación entre ambos aporta otra dinámica a la película, especialmente por el contraste entre un investigador de la vieja escuela y una especialista que entiende perfectamente cómo funciona el mundo digital. También tenemos una breve participación de Christian Slater, quien interpreta a David Walton, uno de los grandes nombres del mundo financiero. Su presencia es acotada, pero siempre se agradece encontrar a Slater en pantalla. Y su participación tampoco parece casual, porque por momentos la película me recordó bastante a Mr. Robot, especialmente por su mirada sobre las grandes corporaciones, la tecnología y las estructuras de poder que operan detrás de nuestra vida cotidiana. En términos cinematográficos, Cómo robar un banco funciona como una especie de encuentro entre Fuego contra Fuego (Heat) y el universo de Watch Dogs 2 . Por un lado, tenemos una película de atracos con persecuciones, operaciones policiales y enfrentamientos que remiten al cine criminal clásico de Michael Mann. Por otro, una estética digital, urbana y bastante juvenil, con personajes que parecen sacados directamente del videojuego de Ubisoft. De hecho, su secuencia inicial podría funcionar perfectamente como una introducción de Watch Dogs 2. David Leitch aprovecha esa combinación para construir un espectáculo cargado de acción, humor y adrenalina, pero también deja espacio para desarrollar el drama de sus protagonistas. Y creo que es precisamente ahí donde la película comienza a funcionar mejor: cuando dejamos de mirar a estos personajes como simples delincuentes que buscan atención y entendemos las razones que los llevaron hasta ese punto. Porque, más allá de los robos y las transmisiones en vivo, uno de los temas centrales de la película es el abuso de las instituciones financieras y de las grandes corporaciones sobre las personas con menos recursos. La cinta pone sobre la mesa un modelo económico que parece diseñado para mantener a determinados sectores atrapados en deudas prácticamente impagables, convirtiendo necesidades básicas como acceder a una vivienda o recibir atención médica en compromisos financieros que pueden perseguir a una persona durante toda su vida. En ese sentido, la supuesta bandera revolucionaria que levanta esta banda tiene una lectura bastante particular. Sus integrantes parecen representar una especie de Robin Hood de la era digital, pero sus motivaciones no son necesariamente ideológicas. Son personas que han sufrido pérdidas, frustraciones y situaciones límite, y que encontraron en esta forma de delincuencia una manera de responder a un sistema que consideran profundamente injusto. La película juega precisamente con esa contradicción: detrás de una causa que parece colectiva, existen heridas profundamente personales. En el apartado técnico, también hay varios elementos que vale la pena destacar. La fotografía de Jonathan Sela funciona especialmente bien en exteriores, aprovechando los espacios urbanos y entregándole identidad a una película que necesita sentirse conectada con su entorno. La banda sonora, por su parte, es bastante ruidosa y dinámica, alternando rock, electrónica y ritmos que parecen sacados de algún video de YouTube. Es una elección que acompaña muy bien el espíritu de la propuesta, aunque también refuerza esa sensación de estar viendo un espectáculo diseñado para el consumo digital. Creo que Cómo robar un banco es una película que va de menos a más. Su principal dificultad está en conseguir que el espectador conecte inicialmente con sus protagonistas, pero una vez que conocemos sus historias, la experiencia cambia considerablemente. No estamos ante una nueva Fuego contra Fuego, ni tampoco frente a una película que venga a reinventar el género, pero sí ante una propuesta entretenida, visualmente desatada y con algunas ideas interesantes sobre el mundo en que vivimos. Y ojo, porque la historia parece tener todavía bastante que contar. El desenlace deja abierta la posibilidad de continuar esta aventura, así que no sería extraño que volvamos a encontrarnos con estos personajes en el futuro. Cómo robar un banco ya está en cines chilenos.
Ebenezer Scrooge vuelve a ser reimaginado en el cine, esta vez de la mano del director Ti West (Pearl, MaXXXine), quien le imprime una atmósfera bastante oscura, aunque con pequeños toques de humor y un aire que rememora las antiguas películas de terror victoriano de la Casa Hammer, incluso en sus créditos. Otro punto interesante es la presencia de Johnny Depp, quien regresa a las grandes producciones de Hollywood luego de años relegado -tras su escándalo con Amber Heard- a películas independientes, tanto en Estados Unidos como, principalmente, en Europa. Pero Depp no pierde su encanto y nos entrega un Scrooge siniestro, cínico, patético, pero también vulnerable. Eso sí, parece no alejarse demasiado del molde de Jack Sparrow. Sería bueno volver a verlo en cintas que le den la oportunidad de construir grandes personajes menos caricaturizados. La historia, basada en la obra de Charles Dickens, Cuento de Navidad, sigue, como ya es sabido, al malhumorado y mezquino Ebenezer Scrooge, un hombre solitario, dedicado a sus negocios y a amasar dinero sin compartirlo, que además odia la Navidad. Sin embargo, todo cambia cuando, durante la Nochebuena, recibe la visita de tres espíritus navideños: pasado, presente y futuro, quienes lo llevarán en un viaje fantasmal nocturno que lo enfrentará a sus dolores, a sus pérdidas y también a sus malas acciones, permitiéndole valorar a quienes lo rodean y a cambiar su vida por completo. Ebenezer es una cinta entretenida, aunque al comienzo le cuesta encontrar el ritmo. También cuenta con un gran elenco compuesto, además de Depp, por Rupert Grint, Sam Claflin, Daisy Ridley y Sir Ian McKellen, quien interpreta al socio de Scrooge. En cines desde el 12 de noviembre.
Yo soy Rocky es mucho más que el relato de cómo se hizo una de las películas más icónicas de Hollywood. Es una historia de esfuerzo, perseverancia y resiliencia, protagonizada por alguien que nunca dejó de creer en su talento y en sus sueños, incluso cuando todo parecía estar en su contra. Además, esta cinta dirigida por Peter Farrelly nos invita a ser testigos de una parte de la historia del cine. Anthony Ippolito es, en gran parte, el responsable de que esta producción sea lo que es: una gran película. Pone sus atributos físicos y actorales al servicio de la recreación de un joven Sylvester Stallone , uno que no tenía casa, cuyo padre -interpretado por un irreconocible Matt Dillon - no creía en él, que debía desempeñar distintos trabajos para sobrevivir y a quien solo lo movían las ganas de convertirse en actor y la creatividad que lo llevaba a escribir guiones a mano. El impulso y el apoyo incondicional de quien primero fuera su novia y luego su primera esposa, Sasha ( AnnaSophia Robb), también fueron fundamentales en su camino al éxito. En Yo soy Rocky conocemos la casi increíble historia de un joven que, con todo en contra, logró cumplir sus anhelos de la forma que él quiso, protagonizando su propia película, aquella que escribió en apenas unos días y que todos alababan, pero en la que nadie quería ni creía que él pudiera asumir el papel principal. Todo esto mientras enfrentaba un rodaje extremadamente demandante, tanto física como emocionalmente, con un presupuesto acotado y un ejecutivo del estudio -interpretado genialmente por Tracy Letts - respirándole en la nuca, atento a cualquier oportunidad para sacar a Stallone del protagónico. Una gran cinta basada en hechos reales. Dramática, entretenida e inspiradora en tiempos en que el esfuerzo parece estar subvalorado. Tiene un excelente ritmo, grandes actuaciones y una ambientación que logra transportarnos a los años setenta y a una forma de hacer cine de forma más genuina. Se podría decir mucho más sobre esta película, pero es mejor vivir la experiencia de presenciar cine de calidad, de ese que te deja algo una vez que las luces se encienden. Yo soy Rocky llega a los cines este 12 de noviembre. Y no se olviden de esperar hasta el último momento antes de abandonar la sala.
El cine pierde a uno de esos actores cuya presencia difícilmente pasa inadvertida. Stacy Keach falleció este martes 10 de noviembre, a los 85 años en su residencia de Magdalenka, Polonia, tras una prolongada enfermedad cardíaca, según informó su esposa, Małgosia Keach. D ejando atrás una trayectoria de más de seis décadas en la que supo transitar por distintos géneros y formatos, convirtiéndose en uno de los intérpretes más reconocibles de su generación. Nacido el 2 de junio de 1941 en Savannah, Georgia, Walter Stacy Keach Jr. comenzó su carrera en el teatro, donde desarrolló una sólida formación interpretativa. Estudió en la Universidad de California en Berkeley y posteriormente en la prestigiosa Yale School of Drama. Su trabajo sobre las tablas le permitió obtener reconocimiento como intérprete shakespeariano y una nominación al premio Tony por su participación en la obra Indians, de Arthur Kopit. Sin embargo, sería el cine el que terminaría convirtiéndolo en un rostro inolvidable para varias generaciones de espectadores. Fat City: el retrato de un perdedor inolvidable Si hay una película que permite comprender la dimensión interpretativa de Keach, esa es Fat City (1972), de John Huston. Una de las grandes películas de su filmografía y, sin duda, una de las interpretaciones más conmovedoras de su carrera. En esta adaptación de la novela de Leonard Gardner, el histrión interpreta a Tully, un boxeador venido a menos que intenta encontrar una nueva oportunidad en un mundo que parece haberlo dejado atrás. Es un hombre marcado por sus frustraciones, el alcohol, la soledad y la sensación de que sus mejores días quedaron en el pasado. Junto a un joven Jeff Bridges, quien interpreta al prometedor boxeador Ernie Munger, Keach protagoniza una historia que se aleja de los relatos deportivos convencionales para observar a sus personajes desde sus derrotas, contradicciones y pequeñas esperanzas. Huston construye un retrato profundamente humano de personajes que intentan encontrar su lugar en el mundo, incluso cuando las circunstancias parecen jugar permanentemente en su contra. Y Keach ofrece una interpretación extraordinaria, cargada de melancolía, que encuentra en los silencios y los gestos buena parte de su fuerza. Fat City es una película que permanece en la memoria mucho después de verla. Y buena parte de ello se debe a Tully, un personaje al que Keach entregó una humanidad difícil de olvidar. Del cine de autor al thriller y el terror Durante los años setenta y ochenta, Keach demostró una versatilidad que le permitió participar en producciones muy diferentes entre sí. En The Ninth Configuration (1980), la particular película escrita y dirigida por William Peter Blatty, interpretó al capitán Billy Cutshaw, un astronauta internado en una institución psiquiátrica militar. Una película inclasificable, que combina humor negro, drama psicológico, cuestionamientos religiosos y reflexiones sobre la naturaleza humana. Su trabajo resulta fundamental para el particular universo que construye Blatty. Ese mismo período también lo encontró participando en The Long Riders (1980), el western de Walter Hill en el que compartió pantalla con su hermano James Keach. Ambos interpretaron a los hermanos Frank y Jesse James, respectivamente, en una película que reunió a otros pares de hermanos actores para dar vida a los integrantes de la banda de forajidos. Un año después llegaría otra de sus participaciones más recordadas: Roadgames (1981), el thriller australiano dirigido por Richard Franklin. Allí interpretó a Pat Quid, un camionero que comienza a sospechar que un asesino serial está recorriendo las carreteras australianas. Acompañado por Jamie Lee Curtis, Keach sostiene una entretenida historia de suspenso que juega con las convenciones del thriller y que con el tiempo se transformó en una película de culto. Su relación con el cine de género también tuvo un capítulo especial junto a John Carpenter. En Body Bags (1993), la antología de terror televisiva dirigida por Carpenter y Tobe Hooper, protagonizó el segmento Hair, interpretando a un hombre desesperado por recuperar su cabello que termina enfrentándose a una situación mucho más perturbadora de lo que imaginaba. Una participación que le permitió explorar el humor negro y el terror corporal. La colaboración con Carpenter también se extendió a Escape from L.A. (1996), donde interpretó al comandante Malloy. Mickey Spillane, Mike Hammer y una carrera que nunca se detuvo Para el público televisivo, Stacy Keach quedó especialmente asociado a un personaje: Mike Hammer, el detective privado creado por el escritor Mickey Spillane. A partir de 1984 protagonizó Mickey Spillane's Mike Hammer, serie en la que encarnó al investigador de métodos duros, carácter desafiante y particular sentido de la justicia. Su interpretación le valió una nominación al Globo de Oro y terminó convirtiéndose en una de las representaciones más reconocidas del personaje. Keach consiguió capturar la esencia del detective de novela negra, con una presencia que parecía hecha a la medida para ese universo de callejones, criminales y mujeres misteriosas. Volvería a interpretarlo en distintas producciones televisivas durante los años siguientes. Pero su trayectoria estaba lejos de limitarse a ese personaje. En 1988 interpretó al escritor Ernest Hemingway en la miniserie televisiva Hemingway, actuación que le permitió ganar un Globo de Oro y obtener una nominación al Emmy. Con el paso de los años también participó en producciones como Prison Break, donde interpretó al alcaide Henry Pope, American History X (1998), Nebraska (2013), Sin City: A Dame to Kill For (2014) y The Bourne Legacy (2012), demostrando que seguía siendo un intérprete solicitado y capaz de adaptarse a distintas generaciones cinematográficas. Su último trabajo cinematográfico fue Jay Kelly (2025), la película de Noah Baumbach protagonizada por George Clooney y Adam Sandler. El legado de un intérprete irrepetible Hay actores que construyen su carrera a partir de grandes protagonistas y otros que consiguen que cada personaje, independiente de su importancia dentro de una película, tenga una identidad propia. Stacy Keach pertenecía a esa segunda categoría, aunque también tuvo la oportunidad de encabezar algunas de las producciones más importantes de su trayectoria. Su rostro, su voz profunda y su particular manera de interpretar personajes complejos le permitieron dejar huella en el cine estadounidense. Podía ser un boxeador derrotado, un detective privado, un astronauta atormentado o un camionero enfrentado a un asesino. En todos ellos había algo reconocible: una humanidad imperfecta que hacía que sus personajes se sintieran reales. Con su partida se va un actor de enorme trayectoria, pero quedan sus películas. Y para quienes encontramos en Fat City una de esas obras cinematográficas que nos acompañan durante toda la vida, también queda el recuerdo de una interpretación extraordinaria.
Hasta el fin del mundo es una película que combina drama y romance, coproducida por España y México, protagonizada por Aislinn Derbez y Mauricio Ochmann. Sin duda, uno de los mayores atractivos de esta producción es que sus protagonistas fueron pareja en la vida real, lo que ha generado una serie de rumores en torno a su relación a raíz de este trabajo en conjunto. La cinta, que llegó hace pocas semanas a la plataforma Disney+, nos presenta a Manuel y Esmeralda, dos mexicanos que se conocen por casualidad en un tren, durante la España franquista. El viaje termina en un accidente ferroviario del que ambos logran sobrevivir, siendo trasladados a una suerte de sanatorio católico. Allí, para poder reencontrarse, deben mentir y hacerse pasar por hermanos. Manuel es un soñador y aspirante a escritor, mientras que Esmeralda es alegre, un alma libre. Ambos comparten un tiempo breve, pero intenso, hasta que sus caminos se separan cuando descubren que el accidente ferroviario es un asunto del que el Gobierno no quiere hablar. Así, ella termina convertida en presa política, mientras él es presionado para dejar de buscarla y regresar a México. Quince años después, la hermana de Esmeralda ubica a Manuel, justo cuando este se encuentra a pocas semanas de casarse, para contarle que Esmeralda está desahuciada y que sería bueno que volviera a verla. Una historia que transita entre un pasado y un presente marcados por el fatalismo, pero también por el amor y la ilusión, aunque parezca contradictorio. Sus personajes son carismáticos, aunque quizás necesitaban un mayor desarrollo. La narración entrelaza correctamente ambas épocas y, si bien la premisa resulta bastante interesante, faltó explorar con mayor profundidad ciertos aspectos dramáticos, especialmente considerando las temáticas que aborda, más allá del romance. Esta ópera prima de Emiliano Castro Vizcarra pudo dar mucho más, pero que finalmente cumple con quienes disfrutan de las historias sobre amores que parecen destinados a no ser.
