Cars, la emblemática cinta que marcó a toda una generación, regresa a los cines de Chile para festejar en grande sus dos décadas de historia. A partir de este jueves 8 de octubre, el público podrá revivir -o descubrir por primera vez en su formato original- la entrañable y divertida travesía de Rayo McQueen. La historia nos reencuentra con el arrogante y novato auto de carreras rojo, Rayo McQueen , quien vive obsesionado con la fama, cruzar la meta y alcanzar la gloria. Sin embargo, el destino le tiene preparado un desvío inesperado. Tras caer accidentalmente de su camión de transporte, Mack, en plena Ruta 66 de California, Rayo termina atrapado por un malentendido en Radiador Springs . Un pintoresco pueblito, que alguna vez gozó de un gran esplendor, pero que hoy se encuentra en el olvido debido a los avances y la construcción de la nueva autopista. Lejos de los flashes, los patrocinadores y la velocidad de la ciudad, el protagonista se topa con una peculiar comunidad que solo busca la oportunidad de renacer. Al principio, la desconfianza reina entre los locales frente a este corredor de actitudes citadinas, y el propio McQueen solo piensa en huir para llegar a su carrera. Es en aquel rincón olvidado del mapa donde el veloz auto cambiará para siempre su perspectiva de la vida. Gracias a personajes que ya son parte de la cultura pop -como el incondicional y divertido Mate , la inteligente Sally o el misterioso y malhumorado ex corredor Doc Hudson - Rayo McQueen recibirá una lección invaluable. Más allá de la adrenalina y la competencia, la película nos recuerda qué es lo que realmente importa. Para McQueen, enfrentar la esperada Copa Pistón ya no será lo mismo, porque comprenderá que el viaje y las personas que te acompañan valen mucho más que la línea de meta. Este reestreno aniversario se perfila como el panorama ideal para disfrutar en familia este fin de semana, permitiendo que quienes crecieron con la cinta puedan compartir esta joya de la animación con los más chicos.
Adria Arjona se convierte en Celeste , una exsoldado del ejército, francotiradora, malhumorada y fanática de las armas en “Aniquilación” . Ella vive en un desierto, donde trabaja como gerenta de una zona de trailers habitada por diversos personajes que, al igual que ella, viven al día y se encuentran un tanto marginados de la sociedad. Cuando el padre de su tierna y bien portada pequeña hija llega a dejársela por el fin de semana sin previo aviso y le anuncia que pronto se irá a vivir lejos con ella y su nueva esposa, el mal humor de Celeste estalla. Sin embargo, pronto tendrá un nuevo y mucho más grande dolor de cabeza. La irrupción nocturna en la zona de trailers de unos supersoldados, creados a partir de excombatientes modificados mediante cirugías y reprogramación mental por una división secreta del Gobierno, de la mano de un delirante y caricaturesco científico alemán, llevará a Celeste y sus vecinos a vivir una noche en el infierno, tratando de sobrevivir a como dé lugar y, además, proteger a su pequeña hija, quien ha vivido una vida muy alejada de los horrores de una guerra. Adam Wingard (“Godzilla vs. Kong”, “La bruja de Blair” 2016) dirige “Aniquilación” casi a modo de homenaje al cine B de terror de los años 80 y 90, con especial fijación en la obra de John Carpenter. Hay planos e iluminación similares a los que utilizaba el maestro, una música con sintetizadores que marca los ritmos y, sobre todo, un personaje como el de Adria Arjona, que parece ser la única que intuye que algo realmente grave está pasando. Celeste es una chica ruda e impresionante, capaz de enfrentarse a todo y a todos, muy en la línea de Snake Plissken (también termina con un ojo tapado), interpretado por Kurt Russell en “Escape de Nueva York”, o Nada, protagonizado por Roddy Piper en “They Live!”. La estructura narrativa también recuerda a cintas de Carpenter como “Asalto en el precinto 13” o “The Thing”: hechos que ocurren en zonas aisladas, personajes ordinarios que deben enfrentarse a un miedo que viene desde afuera y que es mucho más poderoso que ellos, lo que pone a prueba su calidad y capacidad humana. A esto se suma un componente de crítica social al poder, que “Aniquilación” marca con bastante claridad. De hecho, durante sus créditos iniciales, uno podría pensar que la película será mucho más contestataria y que avanzará con mayor fuerza en esa dirección. Sin embargo, esa mirada no termina de desarrollarse de manera demasiado sólida. Algo similar ocurre con sus personajes. La película no trabaja demasiado en su desarrollo y esa es, a mi juicio, su mayor falencia. Casi todos terminan sintiéndose demasiado superficiales y con una marcada tendencia hacia la caricatura, lo que hace difícil conectar realmente con ellos más allá de la acción y la supervivencia. “Aniquilación” es entretenida para quienes disfrutan este tipo de cintas de terror y acción, especialmente para los que tienen debilidad por el cine B y por la obra de Carpenter. Sin embargo, en ningún caso está al nivel de los grandes clásicos del director, a los que claramente busca homenajear. Además de Adria Arjona -también productora ejecutiva de la película- el reparto está compuesto por el luchador Alex Pereira, Michael Biehn (un clásico de este tipo de cintas), Dan Stevens, Erin Wareheim y Rebecca Hall, en un papel bastante desperdiciado como la esposa del científico alemán. En cines desde el 8 de octubre.
León Gieco prepara un nuevo encuentro con el público chileno. El músico argentino regresará en noviembre para realizar tres conciertos en formato íntimo, que recorrerá distintas etapas de su trayectoria a través de sus canciones, imágenes y anécdotas. La gira comenzará el 10 de noviembre en el Teatro Nescafé de las Artes, en Santiago, continuará el 13 de noviembre en el Teatro Municipal de Viña del Mar y finalizará el 15 de noviembre en el Teatro Universidad de Concepción. En esta oportunidad, Gieco estará acompañado por Joana Gieco, pianista y compositora, y Alejo León, guitarrista y compositor. Juntos darán forma a un espectáculo que apuesta por la cercanía y por recuperar el vínculo entre las canciones y las historias que las acompañan. El repertorio permitirá recorrer diferentes momentos de una carrera que comenzó en la década de 1970 y que convirtió a al músico argentino en una de las figuras fundamentales de la música popular latinoamericana. Su propuesta artística se ha caracterizado por el cruce entre el folclor y el rock, además de una permanente preocupación por temas sociales y de derechos humanos. A lo largo de su trayectoria, el músico también ha dado espacio en su obra a las comunidades campesinas, los pueblos originarios, las personas con discapacidad y distintos grupos históricamente marginados. Entradas a la venta a través de Ticketmaster.
En noviembre de este año se cumple medio siglo desde que Brian De Palma tiñó de rojo la pantalla grande con Carrie (1976). A 50 años de su estreno, la primera adaptación cinematográfica de la obra de Stephen King no solo se mantiene como una pieza icónica del terror, sino que sigue siendo el estándar con el que se mide cualquier intento de revivir la tragedia de Carrietta White. La excusa para volver a este clásico no viene solo de la mano del aniversario fílmico. El año pasado, Penguin Random House lanzó una hermosa edición especial de tapa dura del libro con un prólogo de Margaret Atwood -junto a otros tres títulos del autor- convirtiéndose en la invitación perfecta para revisitar la novela que lo inició todo y descubrir cómo una historia sobre el dolor, el aislamiento y la venganza adolescente sigue más vigente que nunca. El origen: De la basura a la consagración Publicada en 1974, Carrie fue la primera novela de King editada por una editorial grande. Sin embargo, estuvo a punto de no existir. Frustrado por no lograr plasmar adecuadamente la enajenación que sufren los adolescentes distintos a la mayoría en su etapa escolar, King tiró el primer manuscrito a la basura. Fue su esposa Tabitha quien rescató las páginas, las leyó a escondidas y lo convenció de seguir. El éxito fue rotundo y el libro, dedicado a ella, catapultó la carrera del maestro del terror. El libro es una experiencia fascinante que expone los hechos a través de diversas crónicas, mezclando el punto de vista del libro escrito por la única sobreviviente Sue Snell, recortes de prensa e investigaciones policiales. Este formato coral y fragmentado le otorga un realismo espeluznante a la narrativa. Cuando la historia llegó a manos de Brian De Palma, el guionista Lawrence D. Cohen optó por un camino distint o: estructurar la historia de manera lineal. El resultado fue una película que, si bien es muy fiel a los diálogos y hechos esenciales (como el cruel baño de sangre de chancho en el baile de graduación), cambia sutilmente las psicologías de los personajes. En la novela, Carrie alberga mucha más rabia interior y tiene un dejo malévolo. En la película de De Palma, Sissy Spacek (quien logró una nominación al Oscar, al igual que Piper Laurie como su fanática madre) nos entrega una Carrie mucho más inocente, bondadosa y vulnerable, generando una compasión absoluta en el espectador. Otras diferencias sutiles asoman en detalles: en el libro, el personaje de Billy (interpretado por John Travolta en el cine) tiene una maldad intrínseca mucho mayor, mientras que en la cinta se ve más como un rebelde que sigue el juego de su insoportable novia Chris (Nancy Allen). Además, los orígenes del abandono paterno cambian, en la cinta el padre huye con otra mujer aparentemente cansado del delirio religioso de su mujer, pero en el texto original muere en un accidente cuando Carrie tenía apenas tres años. Ambas obras, libro y película de 1976, se complementan a la perfección : el primero es la minuciosa base de datos psicológica y coral, y la segunda es el drama humano y visual llevado a la perfección. Las secuelas y remakes que nadie pidió Lamentablemente, el peso de la cinta original dio pie a otras versiones bastante desafortunadas a lo largo de las décadas: The Rage: Carrie 2 (1999): Una secuela directa de la película del 76, totalmente innecesaria. No adapta la obra de King, sino que inventa a Rachel Lang (Emily Bergl), una adolescente marginada que resulta ser la media hermana menor de Carrie (algo ilógico considerando que en la obra original no tiene hermanos). Tras el suicidio de su mejor amiga, Rachel desata su propia venganza telequinética. El único puente real con la original es la actriz Amy Irving, quien retoma su rol como Sue Snell, quien intenta nuevamente ayudar a la protagonista. Carrie (2002): Un telefilme con guion de Bryan Fuller (Hannibal). Aunque intentó emular el formato de falso documental y crónicas del libro mediante flashbacks e interrogatorios, falló rotundamente por su pobre nivel técnico y actuaciones deficientes (especialmente la protagonista Angela Bettis, que imitaba burdamente a Spacek). Como originalmente iba a ser el piloto de una serie que nunca se concretó, posee el cambio más imperdonable de la saga, Carrie sobrevive al trágico e icónico final. Carrie (2013): Dirigida por Kimberly Peirce y protagonizada por Chloë Grace Moretz y Julianne Moore. Esta versión actualizó el entorno al incorporar redes sociales y ciberbullying como, por ejemplo, el incidente de las duchas es grabado con celular. Sin embargo, a pesar de sus buenos efectos especiales, no logró distanciarse de la estructura de la película de 1976, sintiéndose como un remake con poco que aportar, además que la actuación de Chloë Grace Moretz dejó bastante que desear. La nueva era: La visión de Mike Flanagan Y cuando pensábamos que la historia ya no daba para más, el ecosistema del streaming nos trae la gran novedad del mes. Este 7 de octubre se estrena en Prime Video una nueva serie sobre Carrie, y hay quizás razones de sobra para tener fe: el proyecto está en manos del aclamado realizador Mike Flanagan (The Haunting of Hill House, Midnight Mass), quien además dirige cuatro episodios, contando con el propio Stephen King como productor ejecutivo. Producida por Amazon MGM Studios, esta serie de ocho episodios promete ser una reinvención audaz y oportuna. La trama nos presentará a una Carrie White interpretada por Summer H. Howell, en su primer gran rol, quien debe enfrentar el implacable mundo de la escuela pública actual tras la muerte de su padre. Aquí, el despertar de los poderes telequinéticos de Carrie chocará de frente con la crueldad cotidiana de la era de las redes sociales, en medio de un caso de acoso que se vuelve viral. El elenco lo completan Samantha Sloyan como la temible madre Margaret White, Siena Agudong como Sue Snell, Alison Thornton como Chris Hargensen, y un rostro conocido del terror como Matthew Lillard en el rol del director del colegio. Según anuncian sus creadores, la serie buscará profundizar en las pequeñas elecciones cotidianas que construyen el camino hacia esa trágica noche de graduación, planteando una reflexión profundamente humana, frente a la bondad y la crueldad, ¿estamos presenciando el nacimiento de una heroína, de un monstruo, o de algo mucho más complejo? A 50 años del gran hito de De Palma, Carrie vuelve a mancharse de sangre. Solo queda ver si esta nueva adaptación logra, por fin, estar a la altura de la reina del baile original.
El Día de Muertos es probablemente una de las tradiciones mexicanas más reconocidas en el mundo. Sus colores, altares, flores de cempasúchil, calaveritas y celebraciones han traspasado las fronteras, pero ¿cuánto conocemos realmente de las historias y significados que existen detrás de cada uno de estos elementos? Esa es parte de la pregunta que busca responder “México entre dos mundos”, la nueva docuserie de cuatro episodios de HISTORY, conducida y co-producida por el actor Arap Bethke, quien emprende un recorrido por Toluca, Puebla y Ciudad de México para conocer de primera mano cómo se prepara esta celebración y quiénes trabajan para mantenerla viva. “Quisimos abordarlo desde una perspectiva de qué sucede antes de que llegue la gran celebración, cómo se prepara la gente, cuáles son los símbolos que todos vemos en estos altares y qué simboliza cada uno de sus elementos”, cuenta Bethke a En Palco. La producción se aleja de la imagen turística o cinematográfica del Día de Muertos para adentrarse en sus raíces y en las familias que llevan generaciones transmitiendo sus conocimientos. Artesanos, floricultores, cocineras, panaderos, artistas y guardianes de tradiciones son parte de este viaje en el que cada objeto tiene una historia que contar. Para Bethke, una de las grandes sorpresas fue descubrir el mundo detrás de las tradicionales calaveritas de azúcar y el trabajo de los artesanos del alfeñique. Durante el recorrido incluso intentó fabricar una propia: “Me quedó espantosa”, reconoce entre risas. Pero más allá de la anécdota, el actor destaca el valor de una tradición que continúa evolucionando sin perder su esencia. “Es una tradición que está viva, que mantiene sus orígenes y la importancia que tiene que la esencia misma de la celebración siempre va a ser la familia, siempre va a ser la unión, la comunión, el recordar a los que ya no están con cariño”, explica. Uno de los aspectos que más llamó la atención de Bethke durante la realización de la serie fue precisamente la manera en que México enfrenta la muerte. Lejos de reducirse al duelo, el Día de Muertos se transforma en una instancia para recordar a quienes ya no están a través de historias, comida, música, colores y encuentros familiares. “Tenemos esta necesidad de afrontar la muerte celebrando la vida. Entonces, más que un duelo o un dolor hacia la muerte, es una celebración a la vida”, señala. Una mirada que también adquirió un significado personal para el actor. Bethke cuenta que desde niño vivió esta tradición en su familia y que, con el paso de los años, los altares fueron incorporando fotografías de distintos familiares. Después de la muerte de su padre decidió asumir personalmente la celebración y, este año, tendrá además un significado especial tras la muerte de su perro, con quien compartió durante 14 años. “Este año va a ser una ofrenda muy significativa”, comenta. Después de realizar la serie, asegura que cada elemento del altar tendrá para él un nuevo significado. El recorrido de “México entre dos mundos” también permite descubrir cómo las nuevas generaciones continúan heredando estas costumbres y cómo una celebración ancestral puede transformarse sin perder su esencia. “México entre dos mundos” se estrena este domingo 4 de octubre a las 21:00 horas por HISTORY. La producción contempla cuatro episodios y, posteriormente, estará disponible en VOD y en el canal de YouTube de HISTORY.
Cars, la emblemática cinta que marcó a toda una generación, regresa a los cines de Chile para festejar en grande sus dos décadas de historia. A partir de este jueves 8 de octubre, el público podrá revivir -o descubrir por primera vez en su formato original- la entrañable y divertida travesía de Rayo McQueen. La historia nos reencuentra con el arrogante y novato auto de carreras rojo, Rayo McQueen , quien vive obsesionado con la fama, cruzar la meta y alcanzar la gloria. Sin embargo, el destino le tiene preparado un desvío inesperado. Tras caer accidentalmente de su camión de transporte, Mack, en plena Ruta 66 de California, Rayo termina atrapado por un malentendido en Radiador Springs . Un pintoresco pueblito, que alguna vez gozó de un gran esplendor, pero que hoy se encuentra en el olvido debido a los avances y la construcción de la nueva autopista. Lejos de los flashes, los patrocinadores y la velocidad de la ciudad, el protagonista se topa con una peculiar comunidad que solo busca la oportunidad de renacer. Al principio, la desconfianza reina entre los locales frente a este corredor de actitudes citadinas, y el propio McQueen solo piensa en huir para llegar a su carrera. Es en aquel rincón olvidado del mapa donde el veloz auto cambiará para siempre su perspectiva de la vida. Gracias a personajes que ya son parte de la cultura pop -como el incondicional y divertido Mate , la inteligente Sally o el misterioso y malhumorado ex corredor Doc Hudson - Rayo McQueen recibirá una lección invaluable. Más allá de la adrenalina y la competencia, la película nos recuerda qué es lo que realmente importa. Para McQueen, enfrentar la esperada Copa Pistón ya no será lo mismo, porque comprenderá que el viaje y las personas que te acompañan valen mucho más que la línea de meta. Este reestreno aniversario se perfila como el panorama ideal para disfrutar en familia este fin de semana, permitiendo que quienes crecieron con la cinta puedan compartir esta joya de la animación con los más chicos.
Adria Arjona se convierte en Celeste , una exsoldado del ejército, francotiradora, malhumorada y fanática de las armas en “Aniquilación” . Ella vive en un desierto, donde trabaja como gerenta de una zona de trailers habitada por diversos personajes que, al igual que ella, viven al día y se encuentran un tanto marginados de la sociedad. Cuando el padre de su tierna y bien portada pequeña hija llega a dejársela por el fin de semana sin previo aviso y le anuncia que pronto se irá a vivir lejos con ella y su nueva esposa, el mal humor de Celeste estalla. Sin embargo, pronto tendrá un nuevo y mucho más grande dolor de cabeza. La irrupción nocturna en la zona de trailers de unos supersoldados, creados a partir de excombatientes modificados mediante cirugías y reprogramación mental por una división secreta del Gobierno, de la mano de un delirante y caricaturesco científico alemán, llevará a Celeste y sus vecinos a vivir una noche en el infierno, tratando de sobrevivir a como dé lugar y, además, proteger a su pequeña hija, quien ha vivido una vida muy alejada de los horrores de una guerra. Adam Wingard (“Godzilla vs. Kong”, “La bruja de Blair” 2016) dirige “Aniquilación” casi a modo de homenaje al cine B de terror de los años 80 y 90, con especial fijación en la obra de John Carpenter. Hay planos e iluminación similares a los que utilizaba el maestro, una música con sintetizadores que marca los ritmos y, sobre todo, un personaje como el de Adria Arjona, que parece ser la única que intuye que algo realmente grave está pasando. Celeste es una chica ruda e impresionante, capaz de enfrentarse a todo y a todos, muy en la línea de Snake Plissken (también termina con un ojo tapado), interpretado por Kurt Russell en “Escape de Nueva York”, o Nada, protagonizado por Roddy Piper en “They Live!”. La estructura narrativa también recuerda a cintas de Carpenter como “Asalto en el precinto 13” o “The Thing”: hechos que ocurren en zonas aisladas, personajes ordinarios que deben enfrentarse a un miedo que viene desde afuera y que es mucho más poderoso que ellos, lo que pone a prueba su calidad y capacidad humana. A esto se suma un componente de crítica social al poder, que “Aniquilación” marca con bastante claridad. De hecho, durante sus créditos iniciales, uno podría pensar que la película será mucho más contestataria y que avanzará con mayor fuerza en esa dirección. Sin embargo, esa mirada no termina de desarrollarse de manera demasiado sólida. Algo similar ocurre con sus personajes. La película no trabaja demasiado en su desarrollo y esa es, a mi juicio, su mayor falencia. Casi todos terminan sintiéndose demasiado superficiales y con una marcada tendencia hacia la caricatura, lo que hace difícil conectar realmente con ellos más allá de la acción y la supervivencia. “Aniquilación” es entretenida para quienes disfrutan este tipo de cintas de terror y acción, especialmente para los que tienen debilidad por el cine B y por la obra de Carpenter. Sin embargo, en ningún caso está al nivel de los grandes clásicos del director, a los que claramente busca homenajear. Además de Adria Arjona -también productora ejecutiva de la película- el reparto está compuesto por el luchador Alex Pereira, Michael Biehn (un clásico de este tipo de cintas), Dan Stevens, Erin Wareheim y Rebecca Hall, en un papel bastante desperdiciado como la esposa del científico alemán. En cines desde el 8 de octubre.
León Gieco prepara un nuevo encuentro con el público chileno. El músico argentino regresará en noviembre para realizar tres conciertos en formato íntimo, que recorrerá distintas etapas de su trayectoria a través de sus canciones, imágenes y anécdotas. La gira comenzará el 10 de noviembre en el Teatro Nescafé de las Artes, en Santiago, continuará el 13 de noviembre en el Teatro Municipal de Viña del Mar y finalizará el 15 de noviembre en el Teatro Universidad de Concepción. En esta oportunidad, Gieco estará acompañado por Joana Gieco, pianista y compositora, y Alejo León, guitarrista y compositor. Juntos darán forma a un espectáculo que apuesta por la cercanía y por recuperar el vínculo entre las canciones y las historias que las acompañan. El repertorio permitirá recorrer diferentes momentos de una carrera que comenzó en la década de 1970 y que convirtió a al músico argentino en una de las figuras fundamentales de la música popular latinoamericana. Su propuesta artística se ha caracterizado por el cruce entre el folclor y el rock, además de una permanente preocupación por temas sociales y de derechos humanos. A lo largo de su trayectoria, el músico también ha dado espacio en su obra a las comunidades campesinas, los pueblos originarios, las personas con discapacidad y distintos grupos históricamente marginados. Entradas a la venta a través de Ticketmaster.
En noviembre de este año se cumple medio siglo desde que Brian De Palma tiñó de rojo la pantalla grande con Carrie (1976). A 50 años de su estreno, la primera adaptación cinematográfica de la obra de Stephen King no solo se mantiene como una pieza icónica del terror, sino que sigue siendo el estándar con el que se mide cualquier intento de revivir la tragedia de Carrietta White. La excusa para volver a este clásico no viene solo de la mano del aniversario fílmico. El año pasado, Penguin Random House lanzó una hermosa edición especial de tapa dura del libro con un prólogo de Margaret Atwood -junto a otros tres títulos del autor- convirtiéndose en la invitación perfecta para revisitar la novela que lo inició todo y descubrir cómo una historia sobre el dolor, el aislamiento y la venganza adolescente sigue más vigente que nunca. El origen: De la basura a la consagración Publicada en 1974, Carrie fue la primera novela de King editada por una editorial grande. Sin embargo, estuvo a punto de no existir. Frustrado por no lograr plasmar adecuadamente la enajenación que sufren los adolescentes distintos a la mayoría en su etapa escolar, King tiró el primer manuscrito a la basura. Fue su esposa Tabitha quien rescató las páginas, las leyó a escondidas y lo convenció de seguir. El éxito fue rotundo y el libro, dedicado a ella, catapultó la carrera del maestro del terror. El libro es una experiencia fascinante que expone los hechos a través de diversas crónicas, mezclando el punto de vista del libro escrito por la única sobreviviente Sue Snell, recortes de prensa e investigaciones policiales. Este formato coral y fragmentado le otorga un realismo espeluznante a la narrativa. Cuando la historia llegó a manos de Brian De Palma, el guionista Lawrence D. Cohen optó por un camino distint o: estructurar la historia de manera lineal. El resultado fue una película que, si bien es muy fiel a los diálogos y hechos esenciales (como el cruel baño de sangre de chancho en el baile de graduación), cambia sutilmente las psicologías de los personajes. En la novela, Carrie alberga mucha más rabia interior y tiene un dejo malévolo. En la película de De Palma, Sissy Spacek (quien logró una nominación al Oscar, al igual que Piper Laurie como su fanática madre) nos entrega una Carrie mucho más inocente, bondadosa y vulnerable, generando una compasión absoluta en el espectador. Otras diferencias sutiles asoman en detalles: en el libro, el personaje de Billy (interpretado por John Travolta en el cine) tiene una maldad intrínseca mucho mayor, mientras que en la cinta se ve más como un rebelde que sigue el juego de su insoportable novia Chris (Nancy Allen). Además, los orígenes del abandono paterno cambian, en la cinta el padre huye con otra mujer aparentemente cansado del delirio religioso de su mujer, pero en el texto original muere en un accidente cuando Carrie tenía apenas tres años. Ambas obras, libro y película de 1976, se complementan a la perfección : el primero es la minuciosa base de datos psicológica y coral, y la segunda es el drama humano y visual llevado a la perfección. Las secuelas y remakes que nadie pidió Lamentablemente, el peso de la cinta original dio pie a otras versiones bastante desafortunadas a lo largo de las décadas: The Rage: Carrie 2 (1999): Una secuela directa de la película del 76, totalmente innecesaria. No adapta la obra de King, sino que inventa a Rachel Lang (Emily Bergl), una adolescente marginada que resulta ser la media hermana menor de Carrie (algo ilógico considerando que en la obra original no tiene hermanos). Tras el suicidio de su mejor amiga, Rachel desata su propia venganza telequinética. El único puente real con la original es la actriz Amy Irving, quien retoma su rol como Sue Snell, quien intenta nuevamente ayudar a la protagonista. Carrie (2002): Un telefilme con guion de Bryan Fuller (Hannibal). Aunque intentó emular el formato de falso documental y crónicas del libro mediante flashbacks e interrogatorios, falló rotundamente por su pobre nivel técnico y actuaciones deficientes (especialmente la protagonista Angela Bettis, que imitaba burdamente a Spacek). Como originalmente iba a ser el piloto de una serie que nunca se concretó, posee el cambio más imperdonable de la saga, Carrie sobrevive al trágico e icónico final. Carrie (2013): Dirigida por Kimberly Peirce y protagonizada por Chloë Grace Moretz y Julianne Moore. Esta versión actualizó el entorno al incorporar redes sociales y ciberbullying como, por ejemplo, el incidente de las duchas es grabado con celular. Sin embargo, a pesar de sus buenos efectos especiales, no logró distanciarse de la estructura de la película de 1976, sintiéndose como un remake con poco que aportar, además que la actuación de Chloë Grace Moretz dejó bastante que desear. La nueva era: La visión de Mike Flanagan Y cuando pensábamos que la historia ya no daba para más, el ecosistema del streaming nos trae la gran novedad del mes. Este 7 de octubre se estrena en Prime Video una nueva serie sobre Carrie, y hay quizás razones de sobra para tener fe: el proyecto está en manos del aclamado realizador Mike Flanagan (The Haunting of Hill House, Midnight Mass), quien además dirige cuatro episodios, contando con el propio Stephen King como productor ejecutivo. Producida por Amazon MGM Studios, esta serie de ocho episodios promete ser una reinvención audaz y oportuna. La trama nos presentará a una Carrie White interpretada por Summer H. Howell, en su primer gran rol, quien debe enfrentar el implacable mundo de la escuela pública actual tras la muerte de su padre. Aquí, el despertar de los poderes telequinéticos de Carrie chocará de frente con la crueldad cotidiana de la era de las redes sociales, en medio de un caso de acoso que se vuelve viral. El elenco lo completan Samantha Sloyan como la temible madre Margaret White, Siena Agudong como Sue Snell, Alison Thornton como Chris Hargensen, y un rostro conocido del terror como Matthew Lillard en el rol del director del colegio. Según anuncian sus creadores, la serie buscará profundizar en las pequeñas elecciones cotidianas que construyen el camino hacia esa trágica noche de graduación, planteando una reflexión profundamente humana, frente a la bondad y la crueldad, ¿estamos presenciando el nacimiento de una heroína, de un monstruo, o de algo mucho más complejo? A 50 años del gran hito de De Palma, Carrie vuelve a mancharse de sangre. Solo queda ver si esta nueva adaptación logra, por fin, estar a la altura de la reina del baile original.
El Día de Muertos es probablemente una de las tradiciones mexicanas más reconocidas en el mundo. Sus colores, altares, flores de cempasúchil, calaveritas y celebraciones han traspasado las fronteras, pero ¿cuánto conocemos realmente de las historias y significados que existen detrás de cada uno de estos elementos? Esa es parte de la pregunta que busca responder “México entre dos mundos”, la nueva docuserie de cuatro episodios de HISTORY, conducida y co-producida por el actor Arap Bethke, quien emprende un recorrido por Toluca, Puebla y Ciudad de México para conocer de primera mano cómo se prepara esta celebración y quiénes trabajan para mantenerla viva. “Quisimos abordarlo desde una perspectiva de qué sucede antes de que llegue la gran celebración, cómo se prepara la gente, cuáles son los símbolos que todos vemos en estos altares y qué simboliza cada uno de sus elementos”, cuenta Bethke a En Palco. La producción se aleja de la imagen turística o cinematográfica del Día de Muertos para adentrarse en sus raíces y en las familias que llevan generaciones transmitiendo sus conocimientos. Artesanos, floricultores, cocineras, panaderos, artistas y guardianes de tradiciones son parte de este viaje en el que cada objeto tiene una historia que contar. Para Bethke, una de las grandes sorpresas fue descubrir el mundo detrás de las tradicionales calaveritas de azúcar y el trabajo de los artesanos del alfeñique. Durante el recorrido incluso intentó fabricar una propia: “Me quedó espantosa”, reconoce entre risas. Pero más allá de la anécdota, el actor destaca el valor de una tradición que continúa evolucionando sin perder su esencia. “Es una tradición que está viva, que mantiene sus orígenes y la importancia que tiene que la esencia misma de la celebración siempre va a ser la familia, siempre va a ser la unión, la comunión, el recordar a los que ya no están con cariño”, explica. Uno de los aspectos que más llamó la atención de Bethke durante la realización de la serie fue precisamente la manera en que México enfrenta la muerte. Lejos de reducirse al duelo, el Día de Muertos se transforma en una instancia para recordar a quienes ya no están a través de historias, comida, música, colores y encuentros familiares. “Tenemos esta necesidad de afrontar la muerte celebrando la vida. Entonces, más que un duelo o un dolor hacia la muerte, es una celebración a la vida”, señala. Una mirada que también adquirió un significado personal para el actor. Bethke cuenta que desde niño vivió esta tradición en su familia y que, con el paso de los años, los altares fueron incorporando fotografías de distintos familiares. Después de la muerte de su padre decidió asumir personalmente la celebración y, este año, tendrá además un significado especial tras la muerte de su perro, con quien compartió durante 14 años. “Este año va a ser una ofrenda muy significativa”, comenta. Después de realizar la serie, asegura que cada elemento del altar tendrá para él un nuevo significado. El recorrido de “México entre dos mundos” también permite descubrir cómo las nuevas generaciones continúan heredando estas costumbres y cómo una celebración ancestral puede transformarse sin perder su esencia. “México entre dos mundos” se estrena este domingo 4 de octubre a las 21:00 horas por HISTORY. La producción contempla cuatro episodios y, posteriormente, estará disponible en VOD y en el canal de YouTube de HISTORY.
